Fotomedia

La Libertad

2011-04-14T07:54:00.008-03:00

La libertad es un concepto totalmente relativo. Es decir, no es más que un sentimiento y aún más: altamente transitorio.

El hecho es que este año no doy más clases en las universidades, luego de 11 años de enseñanza, y lo casi seguro — toc, toc, toc— es que no lo haga nunca más. Esa es mi libertad temporal.

Las razones son muy variadas, pero lo resumiré de este modo: las universidades en Chile, abocadas casi exclusivamente a rentabilizar su negocio, no son instrumentos óptimos para la enseñanza. Los alumnos no solo aprenden poco y mal, sino además se les inculca una mentalidad nefasta: plagiadores, acríticos, infantiles e indolentes. El profesor es mal pagado y se le obliga a comportarse como niñera de los estudiantes. Una relación absurda, que conduce a los resultados mencionados. Apenas el 10% de los ingresos se destina a pagar los salarios de los profesores, el 90% restante va a "otros items", entre otros un ejercito de funcionarios que se multiplican como conejos. (Hay universidades que tienen más funcionarios que profesores).

Quizás en eso justamente consista el "modelo de educación chilena".

De modo que he decidido seguir mi propio rumbo, absteniéndome de tales instituciones, para formar directamente a personas interesadas en la fotografía. Este próximo mes, de mayo 2011, comenzaremos, con un amigo fotógrafo por algo práctico: talleres de iluminación en estudio, cubriendo iluminación básica, naturaleza muerta, retrato y desnudo.

Nada de esto parece muy profundo, pero no hay nada, en realidad, que no contenga cierta forma de mirar el mundo y los fenómenos. Sintetizar lo esencial de una práctica, requiere años de esta y una capacidad de reflexión suficiente como para transmitirlo. Talleres de 5 alumnos, nos permitirán obtener una compensación económica superior a la de las universidades y entregar al alumno lo que realmente necesita: aprender un oficio que le permita resolver situaciones y con eso mantenerse válido en este campo.

En estos tiempos en que la sociedad muestra la falencia de sus falsas promesas, en que el maquillaje de las creencias está cayendo a pedazos y que lo que se descubre no es más que una gran mascarada de fraude y abusos, como la "enseñanza", es importante apartarse y volver a lo real. Que es mucho más simple que un empresa carísima, cuyo único resultado es la exhibición de un papel, que en la práctica no asegura ningún conocimiento práctico, ni menos un trabajo, en un campo altamente competitivo, donde los títulos no tienen ningún valor.

Epilogo
Algo que quisiera desarrollar otro día y que me parece importante, es que el modelo de educación está orientándose obviamente hacia la enseñanza online. Lo ves cuando tienes ganas, cuantas veces quieras y con los mejores profesores, por una fracción de lo que cuesta la educación en las universidades de ladrillo y cemento.

Pintura + Fotografía

2011-01-10T17:34:00.001-03:00

Ver "VIDEO"

SUTIL VIOLENTO

2009-01-14T10:55:00.010-03:00

La fotografía latinoamericana se exponeDoifel Videla para Americaviva.cl

Ananké Assef, Serie "Potencial" (2005 - 2007) - Argentina

En el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago de Chile, se presenta, hasta el 18 de enero 2009, la exposición fotográfica "Sutil Violento" curatoriada por el fotógrafo brasileño Iatã Cannabrava.

La exposición consiste en la presentación de 50 fotografías, obra de los siguientes 16 artistas latinoamericanos:

Ananke Assef, Eduardo Gil, Marcos López, RES (Argentina)André Cypriano, Julio Bittencourt, Miguel Rio Branco (Brasil)Pablo Rivera (Chile)René Pena (CubaRodolfo Walsh (Salvador)Daniela Edburg, Maya Goded (Måéxico)Rachelle Mozman (Panamá)Fredi Casco (Paraguay)Milagros de la Torre (Perú)Nelson Garrido (Venezuela).

La muestra agrupa una serie de obras en torno a la idea de la violencia en América Latina. Es importante recordar que estas imágenes no han sido realizadas para esta exposición, sino han sido escogidas a partir de obra preexistente, producida a veces con bastante anterioridad, en función de una idea directriz que es el tema de la violencia, relativizada en este caso por la palabra "sutil", que probablemente trata de distanciarse de una fotografía documental donde quizás no exista la sutileza.

Nelson Garrido, Caracas Sangrante - Venezuela

En primer lugar destacaría la importancia que la muestra sea una producción local, brasileña en este caso a través de Itaú Cultural, que tiene la gran y generosa virtud de reunir fotógrafos de 10 países latinoamericanos. Situación que en la fotografía latinoamericana es aún escasa, ya que la abrumadora mayoría de las muestras colectivas de fotografía latinoamericana, así como los libros de referencia, han sido obra de curadores e instituciones europeas o norteamericanas. Esto estaría, quizás, marcando un principio de independencia en nuestra tradición fotográfica continental, que solo ha existido como entidad funcional, gracias a los aportes foráneos.

En cuanto a la muestra en si, creo que es destacable su aspecto "exhibición", en tanto las obras son variadas, de diferentes formatos, incluyendo una enorme fotomontaje, presentado como transparencia, de Júlio Bittencourt, Numa Janela do Edifício Prestes Maia 911 - Brasil. La factura es buena, las obras son, en algunos casos bastante conocidas y el recorrerlas ciertamente procura el agrado de apreciarlas directamente y no a través de libros, revistas o internet.

Julio Bittencourt, Numa Janela do Edifício Prestes Maia 911 - Brasil(libro de Julio Bittencourt en Amazon.com: In a Window of Prestes Maia 911 Building)

Si bien la muestra es variada en sus formas, también lo es en sus lenguajes y no es necesariamente evidente que la violencia se destaque siempre como la idea central. En algunos casos es obvia, pero en otros creo que quizás los trabajos no fueron realizados en ese espíritu. De todos modos, es difícil encontrar un sujeto que no pueda ser interpretado desde la violencia en cualquier sociedad contemporánea. Debemos entender el título de esta exposición entonces en: como se expresa la violencia en Latinoamérica, como aproximamos su particularidad.

Hay varios niveles de lenguaje, donde se cruzan diferentes tradiciones que no necesariamente combinan entre si, para lo cual ayuda la disposición de las imágenes en sala, para que no entren en un natural conflicto. Tenemos en ese sentido, un primer nivel de tradición documental importante con: Rio Branco, René Peña, André Cypriano, Maya Goded y Rodolfo Walsh. Luego fotografías plásticamente intervenidas con: Nelson Garrido y Fredi Casco. Luego satíricas alegorías contemporáneas de: Marcos López, Júlio Bittencourt y Daniela Edburg y finalmente en la tradición descriptiva alemana, varias series comparativas de: Milagros de la Torre, Rachelle Mozman, Anaké Assef, Pablo Rivera, Eduardo Gil y RES.

René Peña, Mi Casa Es Tu Casa, Mi Hogar Es Tu Hogar - Cuba

Miguel Rio Branco - Brasil

André Cypriano, Petare Norte - Brasil

Maya Goded - México

Rodolfo Walsh, Hulk (Héroes Caídos) - El Salvador/Guatemala

¿Que podemos comentar de los contenidos de las imágenes?Creo que el contenido, el tema, en esta exposición se diluye en la cacofonía de lenguajes. Es como si varias personas se refirieran a algo diciéndolo en diferentes idiomas. No creo que realmente nos lleven a reflexionar sobre la violencia en América Latina. El "formato exhibición", que no es otro que el publicitario, los colores, los brillos, las fantasías y la pulcritud, alejan de uno la reflexión a que nos llevaría un simple y brutal periódico con policías degollados o campesinos acribillados.

Fredi Casco, Fiat Voluptas Dei - Paraguay

Simplemente es una exhibición culta y ese es un mérito también y no menor. Debemos recordar que la fotografía no instaura un objeto, sino más bien una mirada. La mirada de esta exhibición, es la de la clase media latinoamericana, con más o menos acceso al mundo de la pobreza y de la riqueza. Una mirada que transparenta su miedo a la pobreza, vértigo frente a la riqueza y admiración frente a la "mirada extranjera" que también intenta emular, en una tradición de plagio que es un desafío siempre presente. Podríamos preguntarnos entonces, ¿Que tiene de latinoamericana esta mirada? Es una pregunta que queda por responderse. Quizás son los excesos de Nelson Garrido y Marcos López, los únicos quienes, en su larga trayectoria de excesos, ironías, sexualidad y humor, nos den la pista. El humor barroco, filosófico, contradictorio, abigarrado y vulgar es una veta que explorar.

Marcos López, Carnicera - Argentina

Daniela Edburg, Muerte por Algodón de Dulce - México

Creo que el propósito, declarado en el texto preparado por el curador, de que "para (él) la reflexión sobre la fotografía en sí, la obra y no el tema, son lo más importante" se cumple a cabalidad, pues la exposición es ecléctica y es evidente la imposibilidad de comparar, en muchos casos, una obra con otra, ya que vienen de universos conceptuales diferentes. Algo similar ocurre en nuestras sociedades, donde la coexistencia de estratos con percepciones y actitudes absolutamente diferentes logra apenas la reunión simbólica de reconocimiento bajo una misma bandera y un mismo territorio.

Es posible que simplemente no haya habido suficiente obra disponible como para generar una unidad conceptual, o bien se quiso asegurar el éxito de la exposición aprovechando el trabajo de autores reconocidos. En todo caso la presencia de niveles de lenguaje dispar, de formatos y temas diversos es una elección propiamente latinoamericana, y en cierto sentido hace sutilmente parte de la misma violencia que declara el título.

Milagros de la Torre, Punzocortante - Peru

Rachelle Mozman, Costa del Este - Panamá

Eduardo Gil, Soledad Faraónica - Argentina

Pablo Rivera, Take & Run - Chile

RES, Intervalos Intermitentes - Argentina

El curioso caso de Mirolslav Tichy

2007-10-01T02:23:00.001-04:00

Hay eventos en el mundo del arte que parecen más caprichosos que otros. Tal vez algo similar ocurra a menudo en la bolsa de valores, las carreras de caballos o los combates de box.

Misroslav Tichy, autodenominado Tarzán, nació en el pueblo de Kyjov en la actual República Checa en 1926. Luego de tres años de estudios de arte en Praga se retira y es obligado a hacer el servicio militar. Su permanente actitud rebelde lo lleva de manera intermitente a la cárcel y también a los asilos psiquiátricos, sin embargo sigue pintando y dibujando, sin por ello integrarse al sistema oficial, ya para esa época comunista. No es un opositor, ni una víctima política, como algunos quieren pintarlo. El hombre está por el "caos total" y empieza por su propia casa, vestimenta y dieta alcohólica.

A fines de los años 50 comienza a tomar fotos, para ello construye sus propias cámaras con materiales recuperados. Lo que le gusta es fotografiar mujeres, detalles. Con su ropa en harapos y sin bañarse durante largos períodos, Tichy debe fotografiar de lejos, a menudo escondido, fabrica entonces teleobjetivos con tubos de papel para la cocina, le agrega lentes de binoculares de niños y otros adminículos. Sus días transcurren entre la piscina municipal y los parques, Tichy se asigna la tarea de tomar tres rollos 35 mm por día, en grueso 100 tomas diarias. A veces no se limita a ojear las damas en los lugares públicos, para tener más intimidad las fotografía directamente en la pantalla de televisión.

Luego de tomadas las fotos revela y amplia en casa. Las fotos se van acumulando y se suman al caos imperante en su hogar, se ensucian, llenan de polvo, mal lavadas se ponen a veces amarillas. Tichy las pega a menudo sobre una somera cartulina de color y les dibuja una decoración con un bolígrafo en guisa de marco. Su actividad no pasa de ser un hobby, jamás las expone en lugar alguno.

A fines de los años 80 la revista alemana Stern realiza un reportaje sobre el curioso "artista excéntrico". Algunos coleccionistas se acercan a él, pero sin resultados, Tichy no está interesado en vender sus fotos. El tiempo pasa, Tichy cae nuevamente en el olvido, a menudo es llevado a prisión por borracho o por dormir en la calle y negarse a pagar las multas.

De pronto a los 78 años de edad, en el año 2004, los trabajos de Tichy son presentados en una exposición de arte contemporáneo de Sevilla, luego van a la galería Judin en Suiza, Nolan/Eckman en New York, Arndt & Partners en Berlin, recibe el premio del "descubrimiento" en el festival de Arles y se le realiza una retrospectiva en el museo de Zurich. Los precios de sus imágenes alcanzan los € 15.000.

Para muchos Tichy es un héroe. Una víctima del comunismo, sus goulags y asilos psiquiátricos. Es en cierta forma rehabilitado. Pero Tichy es un anarquista, vive como un vago, no ha cambiado nada. A su representante (no oficial), Roman Buxbaum —antiguo compañero de curso emigrado a Suiza— lo trata de ladrón. No dio su permiso para la exposición que este realizó en Brno, que se llevó a cabo sin su consentimiento. Al parecer el dinero de sus fotos no ha llegado a sus manos, Buxbaum se explaya en anécdotas sobre su infancia común y se institucionaliza como intermediario.

Si su trabajo fuera realizado hoy día, de seguro que sería atacado en justicia, por voyeur, inmiscuirse en la vida privada, abusar del derecho a la imagen, etc. Sin embargo el hombre es hoy día una víctima rehabilitada, no se le puede negar nada. Un libro de homenaje acaba de aparecer. Unos treinta artistas contemporáneos, desde Arnulf Rainer hasta Thomas Ruff corren al encuentro de Tichy en: Artist for Tichy.

Me pregunto ¿que pensará Tichy de esta fabricación del artista pobre que creíamos desaparecido? Como dice el mismo: "No puedes tomar buenas fotos para ser el mejor, pero puedes tomar las peores para serlo".

Con todo, debo admitir que me encantan sus imágenes, creo que el rol del caos y el azar tiene un valor insustituíble.

"RETRATO DE UNA PASION"

2007-09-30T17:57:00.005-04:00

("Fur: An imaginaire portrait of Diane Arbus")

Comentarios, originalmente publicados en Revista f:8, sobre la película recién estrenada en Chile

Nicole Kidman, en FUR

Diane Arbus fue, y tal vez sigue siendo, una de mis fotógrafas favoritas. De modo que esperé con bastante expectación la llegada a Chile del film Fur (Pieles) del director Steve Shainberg. Me preguntaba ¿de que manera podría conseguirse un acercamiento a esta fotógrafa creadora de imágenes tan poderosas e inolvidables? Ciertamente que se trata de un gran desafío.

La opción que tomó el director se basa libremente en la biografía escrita por Patricia Bosworth —también co-productora del film— quién escribiera igualmente una biografía de los actores Montgomery Clift y Marlon Brando. Tal como en su libro, en la película no se encuentra ni una sola imagen tomada por la fotógrafa, probablemente debido a la oposición del Estate of Diane Arbus, legendariamente conocido por su celo en la facilitación de imágenes. La narración entonces, hace honor al nombre de la película, es decir se zambulle en un imaginario aún menos esclarecedor que la propias imágenes de la autora.

Diane Arbus, Identical Twins, Roselle, New Jersey, 1967

Diane, —cuyo nombre, se nos informa en el film, debe ser pronunciado como si fuera leído en español Di-ane, quizás por el origen ruso de su padre Nemerov, el polaco de su madre Russek o por ser judíos— se encuentra en un mundo de riqueza procurado por el negocio de pieles, centrado en una lujosa tienda y estudio publicitario situado en la Quinta Avenida en Manhattan. Es aquí donde encontramos a Diane Arbus quien luego de 11 años de trabajo como directora de arte del estudio descubre una suerte de alter-ego, ¿simbólicamente su lado oscuro? en la persona de un peludo inquilino de nombre Lionel.

Richard Avedon y sus retratos en formato cuadrado

Richard Avedon, Marilyn Monroe, New York, 1957

El descubrimiento de tal personaje o parte sombría de su personalidad, arrastra a Diane a una suerte de metamórfosis, que uno más bien debe imaginar pues Nicole Kidman no cambia en nada su expresión de belleza estupefacta durante toda la proyección, expresado en un "oh" perenne dibujado en su perfecta boquita y ceño apenas esbozado pero persistente. Este proceso de autoconocimiento termina supuestamente, no así su expresión, con la fusión de ambas personalidades de manera bastante previsible, lo que nos deja una Diane lista para la acción, cámara en ristre para su recorrido por la freakería estadounidense.

La historia nos lleva a la hipótesis del descubrimiento y la metamorfosis hacia un mundo oculto, alejándola de su glamorosa y tediosa realidad junto a un inexpresivo marido y que curiosamente se conecta “freudianamente” con el negocio de pieles de sus padres. ¿Porqué la elección de esta pilosa conexión? ¿Acaso será ella también una futura marchante de pieles? ¿Una coleccionista de scalps humanos, en búsqueda del animal más raro y difícil de atrapar? Ciertamente la película no nos sugiere nada de eso, muy por el contrario, intenta alejarla del mundo del dinero, poder y ambiciones, que han sido el habitat natural de toda su vida, como una rebelde con causa, orientada empáticamente hacia personas que viven en los márgenes de la "normalidad" norteamericana. Quizás el film pretenda sugerir la búsqueda de algún nuevo tipo de verdad escencial.

La película, como otros ya lo han mencionado, nos presenta una suerte de "Diane en el país de la maravillas" al encuentro de la "Bella y la Bestia", cuya trama se desarrolla en los aposentos del "Fantasma de la Opera"; todo muy propio del habitual irrealismo del cine estadounidense. El rol de Nicole Kidman, sobreactuado en su papel de perfecta belleza, llena de curiosidad por el "otro", es aderezado por una música de fondo que anuncia, a cada paso, grandes amenazas o sorpresas que no llegarán jamás. Si no se tratara de un film sobre Diane Nemerov, apellidada Arbus por su marido (con quien se relacionara desde los 13 años de edad), se trataría de una película sin ton ni son. Como se trata del retrato imaginario de una artista célebre, la hipótesis de una niñita bien, llena de tacto y prudencia, ceremoniosa y compasiva hacia los personajes de su nuevo mundo, muy poco nos ilumina sobre la fuerza y locura que encontramos en muchas de sus fotografías, más propias de un cazador de leones que de una chica permanentemente sorprendida.

Niño con una granada de juguete. Central Park. NY, 1962

Existe en todos las sociedades la necesidad de reescribir la historia según la ideología de turno, creo que no es diferente en este caso. Si hay algo evidente en Diane Arbus es que sus fotos transpiran turbias intenciones, críticas a mansalva y traición hacia sus sujetos. Todo esto, que es muy propio de cualquier artista notable, es anulado por la asepsia del film. Toda su violenta o incluso destructiva humanidad, que la llevaría a acabar con su propia vida, gracias a una sopa de barbitúricos doblado del corte de sus muñecas, es soslayado en función de la idealización de su persona. El aporte de Arbus junto a su innegable habilidad para perseguir el objeto de sus deseos hasta las madrigueras más inaccesibles de la sociedad, involucrándose incluso sexualmente con el, es su enorme talento gráfico-sintáctico, su capacidad para construir de manera demoledora y gran economía una representación ambigua llena de subentendidos, un "realismo" fabricado a medida para mostrar a las personas en su estado de mayor vulnerabilidad o incerteza. Es en las planchas contacto de sus negativos que esta metodología, muy subjetiva, se aprecia en todo su esplendor. Es el caso, por ejemplo del "gigante judío en casa de sus padres" o del "niño con una granada de juguete en Central Park". En ambos casos, y como es habitual en su fotografía, la elección recae en el único fotograma donde los personajes están mostrados at worst (bajo su peor luz). Como comentaría el escritor Norman Miller, luego de una sesión fotográfica: “Darle una cámara a Diane Arbus es como darle una granada de mano a un bebé”.

Diane Arbus, Gigante judío en casa con sus padres en el Bronx, New York, 1970

Tal vez sea importante destacar que la obra de Diane Arbus no se genera simplemente en sus fantasmas y conflictos personales o familiares. Su trabajo se debe indudablemente a su disciplinado ojo de directora de arte de fotografía de moda, a su persistencia, entusiasmo, compromiso y también al apoyo e influencia de sus pares contemporáneos. Es necesario, por ejemplo, mencionar el rol de la exilada europea Lisette Model (Elise Stern), quién en la New York's New School for Social Research en 1956 y 1957, la pone en el camino de la documentación de seres marginales y cuyas imágenes tienen un notable parecido a las imágenes de su pupila estrella. La cercana amistad con Richard Avedon, también hijo de judíos rusos dedicados a la moda, y la obvia influencia de sus retratos y soluciones formales minimalistas (la presencia del borde del negativo y del formato cuadrado). También deberíamos mencionar a Marvin Israel, quien será su amante en vida y mentor hasta después de su muerte publicando sus obras de manera póstuma y que la empujará a explorar sus lados sexuales más oscuros y a afirmar el estilo Arbus a través del estudio de la obra de August Sanders; el ruso Alexey Brodovitch director de arte de la revista Harper’s Bazaar de gran influencia para todos los que trabajaran para ella y que fuera su profesor junto a Berenice Abbot tambien en la New York's New School for Social Research. No podemos dejar de mencionar al influyente John Szarkowski, director del Museo de Arte Moderno (Moma), quien la instaría el año 1962 a trocar la cámara 35 mm por el formato medio y que igualmente la incluiría en la importante exposición New Documents junto a Lee Friedlander y Garry Winogrand. Tampoco es inútil recordar la admiración pública que expresaba Diane Arbus por el trabajo de Weege (Usher Fellig) en los bajos fondos del New York nocturno.

Lisette Model, Hermaphrodita, New York 1945

Los medios, así como las personas que muchas veces trabajaban en ellos, también fueron de gran influencia y apoyo en su trabajo. Sus fotografías más conocidas fueron inicialmente publicadas allí por encargo de revistas como: The New York Times Magazine, Harper's Bazaar, Esquire, Newsweek, New York Magazine y el London Sunday Times Magazine para nutrir las emociones fuertes de sus lectores. Finalmente, no solo por el apoyo material, sino por el reconocimiento institucional, es necesario considerar el incentivo de las dos becas Guggenheim que recibió en 1963 por “Ritos americanos, maneras y costumbres” y en 1966 por “Campo de nudistas”, para mantenerla fiel a su temática.

Lisette Model, Mujer con velo, San Francisco 1949

Diane Arbus, Mujer con velo en la V avenida, New York, 1968

En resumen, no solo es su familia, su vida personal, sus depresiones constantes heredadas de su madre, su gusto por el riesgo heredados de su padre y su abuelo que eran jugadores empedernidos, la sordidez y cinísmo del mundo adinerado de la Quinta Avenida, sino también su aprendizaje de otros artistas, su persistencia y gran disciplina lo esencial en su obra. En sus obra es importante la planificación del acceso para llegar a sus sujetos, el tiempo invertido en cada uno de ellos, la capacidad para involucrarse en su mundo y sobre todo sus búsquedas formales, sus soluciones técnicas expresivas (como el fill-in flash) y el desarrollo en múltiples variaciones de un tema personal con el cual resonaba —tal vez una revancha contra el glamour de la moda— que le permitió mantenerse económicamente y además aportar a la historia de la fotografía, quedando fatalmente corta en llenar sus propias y humanas necesidades. ¿Quien sabe si la fotografía no le permitió más bien prolongar su vida algunos años más, en lugar de conducirla a la debacle, como piensan algunos críticos? Después de todo su tema, no era una aberración, sino simplemente la fijación en otro aspecto de las personas, que si bien comenzó centrándose en los freaks, luego demostró que cualquier persona tomada en un momento preciso, podía también ser un de ellos; que en definitiva todo dependia como se nos quisiera mostrar.

Weegee (Usher Feelig)

Diane Arbus es tal vez una fotógrafa maldita, como en literatura lo serian Allan Poe, Charles Baudelaire, James Joyce o Charles Bukowski. En este sentido también es interesante leer la experiencia, aparentemente traumatizante, de Germaine Greer, quien luego de ser fotografiada por Diane Arbus la acusó de no buscar más que anteponer una máscara enfermiza al rostro de cada persona, y que era eso lo que realmente fotografiaba. ¿Es entonces necesario idealizarla, darle un aura políticamente correcta y transformarla en una virgen compasiva, para que podamos apreciarla mejor? En absoluto. Nos apasiona su compleja dimensión, tal y como la representan sus propias fotografías. Quizás solamente sea a través de estas últimas que podremos sentirnos cerca de ella y de su legado. La propia Diane Arbus opinaba que la fotografía, “mientras más te dice, menos comprendes”. Tal vez simplemente ese era su objetivo, no dejar que las etiquetas nos hicieran perder nuestra capacidad de observación de la naturaleza humana. De modo que tampoco es necesario que la transformemos a ella misma en una etiqueta más.

iMirror

2007-07-13T01:19:00.000-04:00

Este es un documental realizado por el artista chino Cao Fei (avatar China Tracy), en el mundo virtual de Second Life

iMirror

fotografia ... precios al alza.

2007-06-18T02:09:00.005-04:00

Andreas Gursky, 99 Cent II Díptico, 2001
Sotheby's London, febrero, 2007: U$3,346,456

Edward Steichen, The Pond-Moonlight, 1904
Sotheby's New York, febrero 2006: U$2,928,000

Richard Prince, Sin título (Cowboy) 1989, 2005
Christie's New York, noviembre 2005: U$1,248,000

Joseph-Philibert Girault de Prangey, 113. Athènes, Temple de Jupiter olympien pris de l'est (1842)
remate, 2003: U$922,488

Gustave Le Gray, La gran ola, Sete 1857
1999: U$838,000

Robert Mapplethorpe, Andy Warhol 1987)
2006: U$643,200

Ansel Adams, Moonrise, Hernandez, New Mexico, 1948
Sotheby's New York, 2006: U$609,600

Andreas Gursky, Sin título 5, 1997
6 febrero 2002: U$ 559,724

Gustave Le Gray, Tree ,1855
1999: U$513,150

Diane Arbus, Identical Twins, Roselle, New Jersey, 1967
27 abril 2004: U$478,400

Las caras opuestas de la foto alemana

2007-05-14T00:15:00.000-04:00

En estos días nos encontramos servidos en Santiago, en lo que a fotografía alemana se refiere. En el MAVI (Museo de Artes Visuales) se presenta la exposición Más de lo que tus ojos pueden ver, muestra sacada del fondo de más de 50.000 obras de la colección de la Deutsche Bank. En el MAC (Museo de Arte Contemporáneo) del Parque Forestal, se presenta la exposición Fotokunst (Fotoarte).

expo en el MAVI, Katharina Sieverding y Thomas Ruff

La diferencia entre las dos exposiciones es notable. La de la Deutsche Bank está en su mayoría (con algunas excepciones) constituida por fotografía alineada bajo la premisa de objetividad de larga tradición alemana desde Sanders, Blossfeldt y Albert Renger-Patzsch, hasta la Academia de Düsseldorf, encarnado en la pareja Berd e Hilla Becher y sus múltiples discípulos como Höfer, Ruff, Gursky, Struth y Sasse. La exposición Fotokunst por su parte, con también pocas excepciones, representa casi lo opuesto. Se trata de una exposición, como ya su nombre lo sugiere, de tipo autoral, expresivo, experimental donde el autor a menudo es el propio representado y el mundo es visto con el prisma de la mayor subjetividad posible. Lideres de esta línea de pensamiento, otra pareja de famosos: Anna y Bernard Blume y otros como Jürgen Klauke y Dieter Appelt.

expo en el MAC, Astrid Kein

De algún modo podríamos pensar que aquí están condensadas dos visiones opuestas, pero propiamente alemanas: la nueva objetividad (Neue Sachlichkeit) y la expresionista desarrollada a partir de los trabajos de la Bauhaus, pero fundamentalmente de Otto Steinert y la Fotografía subjetiva (Subjektive Fotografie), escuela asentada no lejos de Düsseldorf, en la ciudad de Essen, donde Steinert ejerció gran influencia como profesor de la Folkwangschule für Gestaltung desde comienzos de la posguerra.

expo en el MAC, Anna y Bernard Blume

Ambas exposiciones son interesantes, si bien la del Deutscher Bank es más actual. Eso lo notarán nada más que por las fechas de realización de las imágenes y porque las fotos de Fotokunst son casi todas en blanco y negro, contra las casi todas fotos en color de la Deutscher Bank.

expo en el MAVI, Bernd e Hilla Becher y Candida Höffer

En resumen, hay para todos los gustos, obras situadas en dos extremos de los lenguajes fotográficos. Una ocasión también para ver obras de pintores muy ligados a la fotografía como Sigmar Polke (MAC) y Gerhard Richter (MAVI). Por primera vez también en Chile, podremos ver fotos de uno de los más influyentes (y exitoso) fotógrafos contemporáneos de Alemania: Andreas Gursky a tamaño natural, no a 400 pixeles de ancho.

_Me

2007-04-22T21:02:00.001-04:00

El 1ero de noviembre del año 2001, Ahree_Lee comenzó a tomarse una foto cada día. El año 2004 terminó la experiencia y montó las fotos en un video.

El mundo blanco y negro de la foto b/n

2007-02-16T00:32:00.000-03:00

La fotografía color fue inventada apenas 22 años después del invento del daguerrotipo (1839) por Daguerre. En Inglaterra su inventor fue James Clerk Maxwell (1861) y en Francia Louis Ducos du Hauron y Charles Cros (1862). En 1907 se inventó un sistema más industrial, el Autochrome y en 1935 llegó el color a la cámara 35 mm en la forma del Kodachrome, procedimiento que fue simplificado por Agfacolor un año más tarde, en 1936.

Podemos preguntarnos el porqué de la persistencia de la fotografía b/n hasta el día de hoy, cuando el color está disponible hace tanto tiempo y especialmente cuando la realidad aparece, a los ojos humanos, como algo colorido.

Sabemos que en parte, la persistencia del b/n debe su razón de ser a causas económicas, ya que durante mucho tiempo fue un método más barato, simple y autónomo para trabajar, reiterándose algunas de esta mismas razones en la impresión a tintas sobre papel: llámese libro, revista o periódico.

Sin embargo, cuando analizamos el avance técnico de la fotografía a color y de la impresión a cuatro colores, nos damos cuenta que si hubiéramos querido, el color podría haberse impuesto como standard hace más de sesenta años.

¿Alguien aceptaría, por ejemplo, que los artistas visuales solo usaran el monocromo, sin osar tocar los colores o que el cine fuera prioritariamente en blanco y negro y mudo? Probablemente que no. ¿Será que para algunos fotógrafos la fotografía debe seguir siendo el lápiz de la naturaleza, como lo estimaba Talbot en 1839?. ¿Es acaso la fotografía una suerte de dibujo, que no puede prescindir de una intrínseca cualidad monocromática que la encadena exclusivamente al negro, apartando todos los demás colores de su camino?.

Definitivamente, no. La fotografía puede ser en color y expresar sentimientos, deseos, emociones, sueños, temores y reflexiones, sin eludir nuestra capacidad innata de distinguir colores. Lo cierto es que tal como hoy en día el cine el blanco y negro es considerado un efecto especial, la fotografía el blanco y negro hace ya bastante tiempo es tan solo un recurso efectista.

Paul Outerbridge. Phenix rising, 1937

Podríamos quizás conjeturar, que la visión del mundo en blanco y negro es propio de sistemas autocráticos, solo existe el bien y el mal, la luz y las tinieblas o bien "o están con nosotros o contra nosotros". Llevar esta lógica a las formas y la expresión es algo relativamente sencillo. En un mundo colorido, el blanco y negro posee la especial cualidad de simplificar los mensajes, eliminando la diversidad y el desorden bajo el rigor de un mundo unidimensional; como un panfleto, un slogan, un grito en la oscuridad.

Es posible entonces, que las razones de la elección del blanco y negro estén más dadas por las dificultades que implica lidiar con la colorida realidad, mundo multipolar basado en la interacción de tres componentes (rojo, verde y azul) que nos permiten diferenciar más de diez millones de tonalidades, que por un acto de preservación del "arte". Si pensamos que el arte consiste, en parte, en alejarse de la realidad para reencontrarla de manera simbólica, ciertamente el recurso al blanco y negro nos ofrece un atajo al eliminar los colores para solo conservar las intensidades de la luz, ya que de ese modo se constituye automáticamente en una proposición visual abstracta. Será entonces gracias al recurso a una falencia en la percepción humana, que obtendremos un resultado que generosamente estaremos tentados de calificar al menos de alegoría. Como si de pronto nos pusiéramos a hablar en rimas (ubicando los verbos al final de las frases), para hacer sentir que estamos siendo "poetas".

Paul Outerbridge. Reclining nude, 1937

El blanco y negro profesional hoy en día es sobretodo una opción militante, especialmente desde que dejó de ser un imperativo tecnológico para convertirse en una elección personal. Trasunta generalmente ideología, como una manera de percibir y de expresarse que no admite disidencias. Con raras excepciones, este código cultural nos retrotrae a un mundo pretérito por antonomasia; tiempo abstracto que nos suena familiar, de visión primitiva del mundo (muchos mamíferos solo perciben la intensidad de la luz) o tal vez onírica. El blanco y negro actual no se propone como un descubrimiento, sino como una remembranza, un recuerdo, una añoranza, un llamado a entrar en las filas de un pasado común imaginario, suerte de patrimonio impuesto por la acumulación de millones de imágenes blanco y negro del pasado.

Manuel Alvarez Bravo. La buena fama durmiendo, 1938

En resumen podría decir, que la fotografía blanco y negro actual es una ideología basada en una utopía construida en 150 años de práctica autocomplaciente, donde la autocrítica y el análisis estuvieron, y siguen estando, relativamente ausentes. De más está señalar, que este recurso hoy en día es recuperado, con bastante acierto, por publicistas y cineastas para evocar el pasado, la infancia, los sueños y deseos inconfesables, transformándolo por convención en sinónimo de irrealidad. La fotografía digital, por su parte, se ha lanzado de lleno, como es usual al nacimiento de cada nuevo medio, a la simulación de la fotografía monocromática en todas sus versiones, al punto de hacer creer a muchos que estamos ante el renacimiento de un nuevo tipo de "pictorialismo".

Nótese finalmente, que este texto no constituye una crítica a la fotografía blanco y negro en si. Solo quiero reflexionar sobre el uso actual que se le da a un recurso que antes fue relativamente obligatorio y que hoy en día se ha transformado en un subterfugio. La fotografía blanco y negro, realizada en la época en que era ineludible, tiene a mis ojos, totalmente otro valor, pues aún estaba desarrollando los lenguajes que la enriquecerían hasta el punto de dejarla madura para el paso a la mayor complejidad que significa la fotografía color. No creo, sin embargo que esté demás tomar conciencia que hay ideologías, de las más retrogradas, agresivas y totalitarias, que tienden a ver el mundo como una oposición entre dos polos opuestos en permanente conflicto. Ideología que esgrimen a veces los adeptos al blanco y negro y que no es completamente ajena a estas creencias excluyentes.

Diane Arbus. Boy with a toy hand grenade, Central Park, NYC 1962

Desde luego que no toda la fotografía blanco y negro actual es pura demagogia visual, ni estereotipo, ni solo pretende usar un recurso del pasado para camuflar mediocridad o idealizarlo todo con un sirope black and white. Por supuesto que debemos excluir a los aficionados a la fotografía, quienes se deleitan con razón recorriendo el amplio patrimonio fotográfico y a los autores que honestamente siguen desarrollando lenguajes propios al blanco y negro, aunque estos tal vez se puedan contar con los dedos de una mano. La existencia de estos reconforta por su capacidad de reinventarse apartándose de los demagogos que no hacen sino repetir, como novedad, descubrimientos de hace más de medio siglo. No se inventa dos veces la rueda, es tal vez la única respuesta que se les pueda dar. Los fotógrafos del siglo pasado se expresaron con lo que había a su disposición y escribieron con ello capítulos notables de la historia de este medio, páginas, demás está decirlo, irrepetibles.

foto Roger Ballen

El video de Dove

2006-12-02T01:54:00.000-03:00

Exposicion de Pepe Guzman en la Cato

2006-12-01T13:03:00.000-03:00

Dentro del conjunto de expos que se presentan dentro del marco FotoAmérica, aunque aún no he visitado muchas, me gustó la exposición de Pepe Guzmán que vi el otro día en el Centro de Extensión de la UC. Son imágenes realizadas con un escáner, que levanta a pulso delante del rostro de la gente que quiere retratarse, en la calle.

El método es bastante interesante, aunque lejos del texto de Alejandro Castellote que malamente intenta presentar la exposición (tratándo de pegotearle un montón de lugares comunes medio paternalistas que nada tienen que ver con la exposición, ni son tampoco verídicos como afirmar que el escáner no es una cámara), porque cambia las variables propias a la fotografía corriente.

En cierto modo vuelve a la foto de estudio, pues él es el elemento fijo (con un generador de electricidad para darle energía al escáner, al notebook y a una exposición de tres cajas de luz con imágenes), aunque que no dentro de un estudio sino en la calle y es la gente la que acude a él, en gran medida atraída por la luminosa exposición que contiene desnudos y que actúa como un imán en la noche para estas polillas que terminarán atrapadas en su engendro informático.

fotos pepe guzmán

En cierto modo, es una suerte de pequeño juego perverso, de publicidad, de curiosidad, de erotismo, de narcisismo y autoflagelación también, ya que la gente no queda particularmente atractiva en sus imágenes. Pero el juego es interesante y no faltan los que, dentro de estas especificaciones mínimas, intentan ponerle una nota de creatividad a sus "autorretratos".

Las imágenes en la exposición están bastante ampliadas, lo que les da un cierto aspecto trashy y también hay un panel con algunos cientos de fotos. Dicen que lo que abunda no daña. Tal vez sea cierto, pero a mi no me gustaron demasiado los paneles de imágenes repetidas. Es posible que incite al espectador a "buscar las siete diferencias", ya que se ven todos muy parecidos a primera vista. ¿Quien sabe?. En todo caso pienso que es una de las exposiciones interesantes de FotoAmérica, donde tampoco abundan demasiado las diferencias.

Donacion "Pintores de la Vida moderna"

2006-11-23T13:31:00.001-03:00

La donación de la Caisse des Dépôts al Museo G. Pompidou en París hace referencia al artículo de Baudelaire "Los pintores de la vida moderna" y sobre la irrupción de los fotógrafos en el salón de 1859, ¡artículo nada de elogioso!

La donación tiene lugar durante el Mes de la Photo de Paris que se extiende durante el mes de noviembre 2006.

ver VIDEO con las fotos

Del sitio del Centro Pompidou:

"Gracias a la donación de la Caisse des Dépôts, entran a formar parte de la colección nacional nuevas obras de Thomas Struth, Andreas Gursky, Thomas Ruff, Martin Parr, Thomas Demand, Valérie Jouve, Eric Poitevin y Sophie Ristelhueber. El Centre Pompidou enriquece así considerablemente su colección de fotografías, añadiendo cerca de 700 obras de más de 200 artistas franceses y extranjeros que, en su mayoría, todavía no habían sido presentadas en la colección. Este conjunto, que destaca por su calidad y cantidad, es el objeto de una importante exposición organizada en torno a tres grandes líneas temáticas: la representación del poder, las dimensiones sociales y políticas y la ficción y la ilusión."

Muestra en el MAC

2006-11-20T01:35:00.000-03:00

foto Lisa Robinson

Si, fui al MAC. Con bastantes expectativas. Pero me quedé con las ganas. Para que voy a mentirles si de todo lo que vi es muy poco lo que atrajo mi atención. Muchas ideas más que reiterativas. Me gustó sin embargo un trabajo, aunque es verdad que se acerca claramente a mis gustos personales y no estoy intentando ser equitativo. Se trata de la obra de Lisa Robinson. En la misma sala que los siescientos culos como "Carnet de Identidad". Me quedé un buen rato mirándolos, increíble lo diferentes que son y lo tristes también.

El trabajo de Lisa Robinson tiene lugar en la nieve. Objetos transformados por la masa envolvente del manto blanco y cuya soledad aparece como protagonista, como un recorte fotográfico; un recorte natural. Me pareció inteligente, bello y sereno.

foto Lisa Robinson

foto Lisa Robinson

Cuando miro fotografías, siempre pienso: ¿Que sería esto si fuera música o una obra literaria? Eso me da un índice del valor universal de lo que estoy viendo.

foto Catalina Riutort - Tomás Fabres

Fotoamérica 2006

2006-11-09T12:36:00.000-03:00

Hoy día se inaugura, en su segunda edición, el festival de la foto chilena: Fotoamérica 2006. Siguen a cargo del festival: Cristina Alemparte y Verónica Besnier bajo la sombra de su inspirador Roberto Edwards.

Es importante esta continuidad y aun más el hecho que la participación crezca. Sin embargo no tenemos grandes exposiciones visitantes, como Cartier-Bresson y Gonzalez Palma, en el año 2004. Pero no podemos quejarnos ya que este año hemos estado regaloneados con algunas buenas muestras como Chema Madoz en el MAVI, Abelardo Morell y Elliot Erwitt en el MNBA.

Una buena novedad sin embargo es que en el Museo de Arte Contemporáneo de Quinta Normal, tenemos un cuasi Mes de la Foto, con nada menos que 18 exposiciones simultáneas, de autores nacionales y latinoamericanos. Excelente iniciativa de Francisco Brugnoli. La inauguración es el viernes 17 de noviembre.

A los tres polos de atracción tradicionales, el MAVI, el MNBA y la calle Alonso de Córdoba donde se encuentran las galerías privadas, se agrega entonces un cuarto espacio, el MAC de Quinta Normal, esta vez totalmente dedicado a la foto. Ojalá se institucionalice.

La idea de poner el programa del festival en pdf en el sitio de Fotoamerica 2006 me pareció muy buena. El sitio no es amigable con los usuarios de Apple, pero les recomiendo usar el navegador Firefox, que fue el que a mi me funcionó.

Para aquellos que me han preguntado porqué no he expuesto en esta ocasión o quisieran preguntármelo, les cuento que mi idea de exponer es para hacer un aporte decisivo, no para decir aquí estoy. En este sentido los proyectos toman el tiempo que toman y a mi me gustaría concentrarme en Chile, donde llegué hace apenas un año. Por delante tengo mucho tiempo, espero, y además ya en el horizonte empieza a perfilarse mi exposición individual programada para octubre 2008 en el MNBA.

Estaré visitando exposiciones y haciendo mis comentarios en este sitio. Hasta muy pronto.

Siempre en domingo

2006-10-15T23:37:00.000-03:00

Aprovechando la belleza del día, este domingo fuimos a por nuestros capuchinos con pain au chocolat en la esquina de Merced y Monjitas. Itinerario del día, el MAVI y el MNBA.

Museo Nacional de Bellas Artes; foto doifel videla

En el MAVI, visitamos una retrospectiva de varios autores que ocupa la mitad del museo, la otra mitad muestra el vacío dejado por Lúdica, que se fue hace dos días. La expo se llama Pié de Página y está basada en las colecciones y antologías de Mario Fonseca y Francisco Zegers. Esta contempla la Escena de Avanzada de autores chilenos del año 74 al 94.

Si bien para mi el pesimismo reinante me pareció perfectamente normal, a Xiaoli no le gustó la exposición. Sus escasas palabras, en el recién adquirido vocabulario, fueron tajantes: "No me gusta la combinación de toda la cagada".

Me quedé pensando en su frase. ¡Vayan a verla y me cuentan!

Taller de grabado en el MNBA; foto doifel videla

Nos fuimos al MNBA y nos encontramos con unas cuantas personas revoloteando alrededor de algo instalado en el ala izquierda. Allí tres personas animaban un taller de grabado y exponían las diferentes técnicas y herramientas en varios mostradores. Me encantan esas herramientas, y como siempre he tenido gran admiración por estas técnicas, me entretuve montones tratando de adivinar el efecto gráfico que provocaría el uso de cada una de ellas.

Una exposición de Téllez en la sala Matta (subsuelo) trataba de metralletas y otros artefactos militares reconstruídos con humor y mucho oficio. La exposición se titula: EUGENIO TÉLLEZ: LA RISA DE SATURNO. Muy ad hoc con los tiempos que corren. Bastante impresionante y sobre todo se entiende que es una vieja obsesión, aunque se trate de una nueva serie. El día fue corto y nos cambiamos de barrio para visitar un Mercado de Antigüedades en la plaza Perú del Golf. Allí nos ofrecieron una pequeña cafetera italiana, de las que venden en cualquier tienda, nueva por $ 7.900, por la módica suma de $ 15.000. Agregando además que eran antigüedades de los años treinta. Dimos por concluído nuestro periplo y regresamos a casa a comernos una excelente ensalada.

Del orden analógico al orden digital: DAM

2006-09-24T21:39:00.000-04:00

Copyright: © 2005 Doifel Videla; Keywords: asia, orient, china, south china, vietnam border, man, alone, motorcycle, motorbike, cloudy, overcast, grey, beige, terracota, sand, stones, pile, urban, urbanization, house, housing, apartments, planning, development, build, buildings, collective, new, progress, transport, construction, route, future, wait, respite.

Yo entré a la fotografía en su versión material, análoga como se dice ahora. Con años de error y acierto logré forjarme una rutina de trabajo en la cual aseguraba la calidad y el acceso a mi trabajo.

El sistema era simple e integraba desde el lugar donde y como guardaba mis equipos, cubría una probada alquimia de combinación película-revelado-ampliación y aterrizaba en el archivo donde se podía encontrar el producto de esta actividad. Todo este "flujo de trabajo y administración" estaba rodado, era funcional y respondía a mis necesidades. Mis archivadores estaban ordenados cronológicamente y gracias a mi buena memoria podía encontrar lo que buscaba sin mayores problemas.

Cuando mi memoria no fue suficiente para la cantidad de imágenes que tenía, tuve que hacerme un archivo de "favoritos" donde guardaba mis fotos taquilleras y también uno de "proyectos especiales" donde juntaba material homólogo.

No puedo decir que el sistema fuera perfecto y debo reconocer que si yo no tuviera buena memoria para estas cosas, lo más probable es que no funcionaría eficientemente. Pasaría por alto cientos de imágenes útiles, interesantes e incluso publicables. Tampoco mis herederos podrían separar el grano de la paja sin esfuerzo y con acierto. De modo que era un sistema que dependía de mi y de mi memoria, el señor Alzheimer definitivamente no lo habría recomendado.

Cuando el año 95 realicé mi exposición en el Bellas Artes (Crónicas de mi ausencia), debí trabajar semanas revisando todos mis archivos, haciendo diapositivas de los negativos para ordenarlos sobre una mesa de luz, que también debí construir yo mismo. Algunos dirán ¡ah! eran los buenos tiempos en que uno tiraba las planchas contacto sobre la mesa de luz, para revisarlos con cuenta hilos y hacerles una marquita con un lapíz permanente. No creo que eran los buenos tiempos, creo que la ineficiencia que rodea al mundo material es algo que a mi nunca me ha convencido.

Hoy día la fotografía consiste en un archivo matemático que ocupa un lugar dentro de una memoria de masa. No tengo dudas que en un primer momento todos debimos pensar que era más fácil administrar los negativos en un archivador que los Gigabytes y Terabytes generados por nuestras nuevas cámaras digitales pues al poco tiempo el caos se instaló en los "escritorios virtuales" y archivos variados que se encontraban solo gracias a la memoria del fotógrafo. Este estado de caos lo percibí tanto en los computadores de fotógrafos profesionales como en los de mis estudiantes. Ni siquiera se trata de un problema generacional.

Sin embargo en el ambiente digital, aunque no sea muy intuitivo, también existe una manera de construir una rutina de trabajo y de administración que asegure: calidad, seguridad, acceso, utilización y presentación. Debo recalcar, además, que el sistema digital es infinitamente superior y eficiente que el de nuestros viejos archivos ordenados por temas o cronológicamente.

En inglés se le llama DAM: "Digital Assets Management". Es decir "administración de activos digitales".

El DAM se ocupa, como cualquier sistema, de hacer funcionar un sujeto, manteniendo su continuidad, crecimiento, permanencia y efectividad. En este caso debe asegurar el objetivo de la fotografía que es un medio de información destinado a: expresar, comunicar y entretener (también engañar si ustedes quieren).

¿Como se logra esto eficientemente?

Construyendo un sistema basado en una sólida combinación de hardware y software junto a una rutina de trabajo bien asimilada teorica y practicamente.

Este sistema debe asegurar que las imágenes se capturen correctamente, se resguarden, se seleccionen, se valoren, se les incorpore información subjetiva, se relacionen, se optimicen, se archiven, se enriquezcan, se preparen para una utilización precisa, se exporten y se puedan presentar de variadas formas.

Estas imágenes deben poder comunicar con el mundo en base a criterios universales y estar preparadas para unirse sin trabas a un flujo de información continuo donde serán encontradas por un eventual usuario (podemos ser nosotros mismos) de manera casi instantánea.

Be DAM or be Damned

buena suerte y excelente continuación

¿Quieres exponer tus fotos?

2006-08-01T17:14:00.000-04:00

foto jorge restrepo, en PhK

Hace algún tiempo me contactó un chico español que estaba haciendo un sitio para exponer fotografía. Tenía simpatías por América Latina porque estaba estudiando en Buenos Aires. El hecho es que el sitio ha crecido y crecido y ha sido tratado con cariño por su parte. Está bien cuidado. El nombre es un poco extraño PhK, que quiere decir Photo Kasbah. Creo que es un buen lugar para aquellos que tienen ganas de exponer.
Su dirección actual es (cambió a esta): http://www.phk.es/
El se llama Iban, así a secas, nunca supe su apellido.

Esta es parte del mail que me envió:

Si usted está interesado en tener su propio espacio web en PhK y darse a conocer, le invito a que entre en el web (www.photokasbah.com) y vea las sencillas condiciones de participación (www.photokasbah.com/participa). A cambio nosotros ganaríamos en calidad con su presencia.
Saludos y perdonen las molestias.
Iban PhK

De sonrisas y risas

2006-07-29T11:43:00.000-04:00

TRES FOTOGRAFOS EXTRANJEROS EN SANTIAGO

Chema Madoz en el MAVI - 22 de Junio hasta el 20 de Agosto, 2006
Abelardo Morell en el MBA - 4 de julio hasta el 31 de agosto, 2006
Elliot Erwitt en el MBA - 16 de junio - 30 de julio, 2006 !! (mañana último día)

foto doifel videla, expo Chema Madoz en el MAVI

Hace dos domingos atrás, un perfecto día soleado de este clemente invierno, aire limpio y transparente, nos fuimos con Xiaoli a desayunar al centro. En la esquina de Merced con Monjitas tomamos unos fragantes capuchinos con algunos croissants (curiosamente algo salados) y pain au chocolat de Le Fournil. Mucha gente atestaba el pequeño local y desafortunadamente el invierno no era tan cálido como para tomarlo fuera. Con el mejor ánimo del mundo iniciamos nuestra exploración de ese barrio perfecto en día domingo.

Nuestra primera visita fue el MAVI, mi museo preferido, de talla humana, cálido, ordenado, creativo y siempre con exposiciones interesantes. Al cartel: Chema Madoz.

Yo solo había visto a Chema Madoz en una exposición colectiva en París, no imaginaba lo que iba a encontrar. ¡Una verdadera retrospectiva! Excelentemente bien montada, una "puesta en lugar" de muy buen criterio. En fin, una delicia que recorrimos con una sonrisa permanente en los labios, comunicándonos una y otra vez los detalles de su perspicacia.

Chema Madoz crea instalaciones destinadas a transformarse en fotografías. Coincidiendo en esto con el brasileño Vic Muniz. Son ideas, siempre ingeniosas, que elabora y construye con objetos materiales que no duda en inventar en base a asociacion de ideas. La primera sensación que saltó a mi mente fue René Magritte, algo de Man Ray, algo del humor ácido de Duchamp y los dadaístas. Chema Madoz ciertamente hubiera estado feliz en compañía de estos últimos, pues si bien lo podemos situar entre los surrealistas es con dadaístas, como Picabia o Raoul Hausman que lo siento más afín en su actitud humorística, que puede ser a veces tierna, como irónica.

Me quedé pensando en lo incongruente que se me hacía la fabricación de ideas con objetos tridimensionales materiales y llevados al plano a través del blanco y negro. Todo esto los hace como antiguaos, improbables, como la "fauna" fabricada del "Dr. Ameisenhaufen" (traducción: montón de hormigas) de Joan Fontcuberta, autor probablemente indispensable en la obra de Chema Madoz.

Ficción, ideas y un bien cultivado humor, fueron los ingredientes de esta maravillosa exposición que nos ofrece el MAVI por algunos días más, que nos dejo sonriendo por un buen rato.

De allí nos encaminamos a la catedral de nuestro arte: el Museo de Bellas Artes. Nuestra idea era visitar la exposición de Elliot Erwitt, que dicho sea de paso no ha contado jamás con mi entusiasmo, pero, conociendo la adoración por los perros de Xiaoli no dudé iba a ser de su total agrado. Sin embargo en el primer piso, nos encontramos a boca de jarro con una exposición inesperada: Abelardo Morell, del cual yo solo había visto, nuevamente, una sola imagen en una exposición colectiva en Colonia.

Hay muchas ideas e imágenes que se agolpan en mi cabeza cuando pienso en el trabajo de Morell, que dicho sea de paso no deja de evocarme el cuento de Bioy Casares: La invención de Morel y toda la erudición y fantasía de Borges, pues ciertamente me rememora el mundo borgeano. El fetichismo por los libros, los personajes saliendo de ellos para permutar de dimensión, como lo hace Abelardo Morell en su ensayo sobre "Alice in Wonderland", o con el "Book" llevado a la categoría de ciudadela, de casa fantasma o de pozo infinito. La yuxtaposición de las imágenes de un libro ilustrado, la contigüidad, el dialogo entre sus personajes, todo esto me hizo revivir mi vida dentro de los libros cuando era pequeño. ¿Acaso lograba distinguir a esa edad sus personajes de la vida "real"?

Esta exposición no es fácil y una vez más en blanco y negro lo cual la oscurece aún más en mi opinión. Pero tengan la certeza que es mucho y es una verdadera retrospectiva de Abelardo Morell, una exposición peso pesado. Llena de ideas, de referencias, de sensaciones, de opiniones que pasarán a muchos desapercibidas.

De todas las ideas expuestas por Morell solo tomaré la que me parece principal y para mi altamente significativa: la proyección de imágenes. Que es el fenómeno que nos permite ver y reproducir visualmente el mundo exterior. La imagen que, gracias a un dispositivo óptico, vuela por los aires para posarse, o no, sobre un objeto es algo que yo encuentro milagroso e incomprensible. Pues bien Morell lo encara de una manera muy especial, fotografiando espacios a oscuras —comedores, dormitorios, salas de espera— donde por efecto de "camera obscura" viene a proyectarse una imagen del exterior. Esa formula, para mi evoca el encuentro entre la realidad de nuestro imaginario y la realidad exterior, que se unen, por supuesto, en nuestro imaginario nutriéndose mutuamente, a veces devorándose.

Con estas dos exposiciones en mente bajamos a la sala Matta, donde con gran soporte publicitario se expone Eliott Erwitt. Recuerdo alguna vez haberlo puesto como ejemplo del típico fotógrafo simplón de mal gusto, que se cree divertido. Debo retractarme un poco de esta opinión. Ver lo mejor de Erwitt en una sola sala es reconfortante y llevó nuestras sonrisas precedentes hasta las risas, pues Erwitt es cómico, anecdótico y hasta chabacano, pero lo hace bien. Chico travieso, viejo con alma de niño, no lo sé, pero nos reímos un montón en la exposición de Erwitt que además está llena también de historia, de celebridades, de personajes históricos y de humoradas en las cuales los perros se roban la película. Una exposición para acabar del mejor humor posible, un domingo perfecto en el corazón de Santiago.

Aficionados, profesionales y artistas

2006-07-16T13:07:00.000-04:00

El nombre fotografía existe hace poco más de 170 años, cuando se adoptó la denominación propuesta por Sir John Herschel en su texto "Note on the art of Photography or The Application of the Chemical Rays of Light to the Purpose of Pictorial Representation," presentado a la Royal Society el 14 de marzo de 1839, en Londres.

foto doifel videla

Desde esa fecha mucha agua ha corrido bajo el río y miles de millones de "fotografías" han sido tomadas e impresas siguiendo los procedimientos descubierto por los pioneros: Daguerre, Niepce, Talbot, Herschel y al menos una docena de otros bastante menos conocidos para los cuales también existen evidencias, en distintas latitudes del globo, sobre su posible participación o autoría en el invento de la fijación de la imagen óptica proyectada.

Confusión cabe, en lo que respecta a su invención, pero mucha más confusión cabe en cuanto a la actitud que podemos adoptar frente a ella.

Una misma fotografía vista en un museo, en un periódico, en una publicidad o en un álbum familiar, tendrá distintas connotaciones para nosotros, simplemente porque nuestra "actitud" frente al canal que nos la presenta ya está está cargado de expectativas. Al museo iremos a ver "arte" y haremos todo lo posible por entender esta imagen como parte de tal contexto; en el periódico veremos imágenes con información válida para un promedio de vida de un día; en publicidad será de algunos segundos o algunos minutos si enganchamos con lo representado y se integra a nuestra lista de objetos del deseo; en el álbum familiar puede llegar a ser casi eterna, pasando de una generación a otra o terminar en el tacho de la basura, dependiendo del grado de continuidad que queramos dar a nuestros recuerdos.

¿Como distinguimos entonces el trabajo de profesionales, artistas y aficionados? Muy improbablemente será por las características intrínsecas de la "obra", sino más bien por el canal a través del cual nos lleguen y en menor medida siguiendo nuestra cultura fotográfica e intereses.

La fotografía se realiza entonces básicamente en el usuario, como una bala que encuentra un destinatario. No existe la fotografía para sí, solo existe en la mirada del destinatario (que puede ser el mismo autor), quien si bien es sumamente variable no deja por ello de ser algo predecible.

Por otra parte, la fotografía no solo consiste en generar fotos, sino también en tomarlas. La fotografía es ante todo una gran entretención. La enorme mayoría de las personas que posee una cámara fotográfica se divierte tomando fotos; fotos que quizás ni siquiera mirará. Como un niño que tira piedras, flechas o balas plásticas sin tener otra idea en mente que el acto de lanzar algo percutante contra un blanco improvisado. El reflejo del cazador que aún no muere en nosotros y que se expresa alegremente cuando apretamos el "disparador".

La industria de la fotografía, hasta antes de la irrupción de la cámara digital, reposaba sobre este último fenómeno. Ni los fotógrafos publicitarios, ni los fotoperiodistas, aún menos los artistas, contaban en el mercado de la foto. El pilar de la fotografía estaba constituida por los aficionados: cámaras, película, revelados e impresiones. Y en esa torta, películas, revelados e impresiones eran lo que daba el sustento básico a toda la industria de la fotografía en todas sus variables. Al respecto podríamos preguntarnos: ¿Que va a pasar con la fotografía ahora que se acaban las películas y los revelados y que las impresiones caen drásticamente? No lo sé. Pero lo intuyo. Simplemente unos van a morir y otros van a ocupar su lugar. La foto cada vez más pasará por los computadores, software e Internet, en lugar de pasar por los laboratorios. Lo que es seguro es que las ganas de cazar, de disparar y acertar al blanco, no van a desaparecer.

Para volver al tema, podemos decir que lo que finalmente prevalece en la diferencia entre aficionados, profesionales y artistas, es simplemente la actitud con la que enfrentan su actividad. El aficionado es alguien que se entretiene tirando piedritas al agua, logrando a veces hacer un numero notable de patitos en el agua casi por azar y que constituye la inmensa mayoría de los usuarios. El fotoperiodista es el que lleva sus instintos de cazador a un nivel pecuniario suficiente como para vivir de ello, no solo disparando, sino cobrando las piezas para venderlas lo mejor que pueda. El fotógrafo publicitario es quien diseña y fabrica imágenes a pedido, intentando agradar al cliente y mantenerse a la moda, sus imágenes son casi puramente formales y los contenidos más o menos explícitos. El artista finalmente, es el que eternamente intentará poner la guinda a la torta, haciendo de este medio algo más trascendental y decoroso que los instintos inconscientes y de supervivencia que animan a sus pares y aunque el dinero brille por su ausencia, nunca dejará de ser el bienvenido.

¿El "Medio es el Mensaje" o El Mensaje es el Medio?

2006-07-09T22:54:00.000-04:00

Muchos han oído la famosa frase de Marshal McLuhan que dice:

"El Medio es el Mensaje".

foto doifel videla

De ella me acordé hoy después de haber conversado el otro día con un fotógrafo sobre el estado de la fotografía chilena. Me fui y la frase se me vino a la mente y se me quedó pegada. Una frase que siempre tomamos como el mayor descubrimiento del mundo, del mundo de los medios por supuesto.

La frase significa que no importan mayormente los contenidos, porque de todos modos será el medio el que nos condicionará a su lógica interna. Es decir que si miramos televisión al final solo estaremos viendo tele, igual lo que veamos. Hay un excelente chiste de Mafalda al respecto.

Sin embargo, hoy en día, cuando los medios hacen parte de nuestro paisaje cultural en forma casi natural, es lícito preguntarse si son los medios los que están determinando los mensajes o más bien los mensajes (contenidos) los que están determinando los medios más óptimos para asegurar su flujo permanente.

La idea que se abrió paso en mi mente es que hoy son los contenidos quienes fabrican los medios en su carrera por ocupar trozos de mercado. Por ejemplo la pornografía, que es un negocio multimillonario, es el contenido que más fomentó el desarrollo de sistemas de compresión y bancos de imágenes en Internet (mucho antes que Corbis) y no solo eso, también lo hizo más tarde con el video. Sin ir más lejos, los mayores avances, desde los webcam en "tiempo real" hasta las imágenes interactivas, han sido todos productos masivos de la industria del sexo que después encontraron aplicaciones más "aceptables".

Podría seguir buscando ejemplos, como los email y Hotmail, la necesidad de conversar y MNS, la necesidad de encontrar información y Google, de ver en que lugar vivimos y Google Earth, la necesidad de cachurear e eBay, el ir a ojear libros y Amazon, etc. pero a lo que yo quiero es llegar a la fotografía.

La fotografía es un medio, que vehiculiza contenidos visuales codificados ópticamente. Como medio se integró a otros medios, como la prensa, el libro, el cine y ahora Internet. Sin embargo su integración no fue pasiva, más bien en todos ellos ha tenido una influencia decisiva, al punto de transformar (o trastornar) completamente esos medios. La fotografía de actualidades es la responsable del periódico moderno con sus portadas "a toda foto"; la fotografía documental prácticamente inventó la revista como medio, que ahora sigue especializándose y segmentándose pero mantiene la primacía de lo "fotográfico"; la fotografía de reproducción es responsable de la existencia de los libros de arte ilustrados (que de lo contrario no existirían) otorgando de paso al arte una connotación marcadamente visual; la fotografía hizo posible al cine y sigue influyendo al cine y al video arte; en el terreno comercial la fotografía es indisoluble al desarrollo del videoclip; la fotografía puesta en escena es la que ayudó a desarrollar la publicidad visual y los catálogos (y por ende la venta por catálogos); la fotografía de alquiler (pornografía y agencias de stock) es la que primero empujó Internet hacia el e-commerce, el manejo de imágenes en bases de datos y las páginas seguras (https) como un requerimiento para que todo tuviera sentido (comercial); y ahora son las fotos del simple usuario, las que exigen el desarrollo de sistemas interactivos para que la gente pueda participar y expresarse a nivel personal y comunitario. Flickr, que acumula cerca de 100 millones de imágenes y Fotolog que ya supera los 120 millones están ahí para demostrarlo:

¡El Mensaje es el Medio!

Todo esto a propósito de algo que discutí y que tiene relación con la fotografía digital. Si bien esta nació como una necesidad, ya que todo el entorno se estaba digitalizando, esto no significa que esta sea capaz de revolucionar las ideas. Es decir que no porque exista la fotografía digital que los contenidos van a cambiar, un ejemplo de ello es el sitio zonezero.com donde la mayoría de los contenidos representan una visión de las ideas de los años 60 y 70. Ahí están todos los clichés típicos de la fotografía documental, neocolonial, paternalista y occidental de "izquierdas". Desde luego hay excepciones y bastantes, pero son más bien la excepción que confirma la regla. Esto e innumerables otros ejemplos de Internet, nos muestran que el medio digital por si solo no es capaz de generar automáticamente nuevos contenidos.

Se preguntarán ahora ¿Y a que viene toda esta reflexión?. Y bueno, esta reflexión simplemente apunta al hecho que hoy no es el estudio de los medios —fotografía análoga o digital, pintura, diseño gráfico, ilustración, periódicos, radio, televisión, Internet, etc.— lo que debiera concitar nuestro mayor interés, sino el estudio de los lenguajes, de los significados y de los propósitos. Aquí es donde las diferencias entre "medios" diferentes, se hace irrelevante para dar paso a una verdadera discusión de valores y actitudes.

Doifel en revista f8

2006-07-05T11:24:00.000-04:00

Esta es una invitación para que vean como quedó una selección de "interudios" en la revista f8, con un texto reducido del texto completo que irá en el libro.

REVISTA F8

Deconstructing Robert Frank, según Jno Cook

2006-07-04T13:37:00.000-04:00

No, no crean que voy a aportillar a Robert, que es uno de mis fotógrafos preferidos; un mero mero que se las jugó siempre hasta las últimas. Pero encontré un trabajo de investigación bastante curioso; una curiosidad, eso es. El autor, un norteamericano, por lo que escribe lo sospecho de origen belga del lado neerlandés.

Bélgica es algo así como el epicentro del cómic en Europa, un pequeño país capaz de generar una producción oversized. El pasado — y presente— surrealista de la Bélgique ayuda bastante a este fenómeno. Bueno el asunto es que este belga radicado o transportado a los EEUU, se ocupa de Robert Frank e intenta desarrollar una teoría sobre su primer libro, el famoso The Americans. Su idea es que se trata simplemente de la visión de un extranjero en tierras hostiles (Robert Frank era suizo), no de la visión social que se le achaca. En otros términos, una visión más interior que exterior.

Nuestro belga no se queda allí, pasa años tratando de responder la opinión de un crítico norteamericano llamado Brumfield en la conocida revista Afterimage. A ese propósito se dedica a traducir el primer ejemplar de The Americans, aquel que en EEUU fue rechazado y que terminó por ser publicado por Robert Delpire en París en 1958. Un grupo de amigos le ayuda a traducirlo, junto a su madre que primero lo pasa al neerlandés y de allí al inglés (de allí mis sospechas de su belgicidad, ese pequeño país bilingüe por fatalidad).

Después de algunos intentos, que podrán leer en su texto, nuestro belga, cuyo nombre parecería ser Jno Cook, termina con un producto que se aleja de su intento por demostrar lo indemostrable, pero bastante más interesante. Jno rehace el libro de Frank trazando todas las imágenes, transformándolo en nada menos que un cómic, al más puro estilo belga.

Por favor, visiten las tres páginas de Jno Cook que constituyen este trabajo titulado "Robert Frank Coloring Book" y si tienen un ejemplar de The Americans tanto mejor. En su defecto visiten ese link para familiarizarse con las imágenes del buen Robert en su obra magna: The Americans.

* Leí, después de escrito este post, que el autor es holandés o sea vecino a los neerlandeses de Bélgica.

doifel.com - Introducción, parte I

2006-06-12T10:44:00.000-04:00

Esta es la mitad de la "Introducción" que escribí en mi sitio "doifel.com", texto que reconozco es un poquitín largo. Como en este momento estoy trabajando en la versión 3.0 del sitio, aprovecho para sacar afuera algunas ideas que probablemente van a desaparecer con el cambio. En otro post pondré la segunda parte, en la cual me refiero al sentido de mi trabajo, que obviamente ha ido evolucionando y lo hará con mayor razón ahora que decidí regresar a Chile y que me encuentro en un nuevo contexto. La primera versión de este sitio, creada en el año 2000, aún se puede encontrar en la dirección: versión 1.x.

Una imagen de la serie Disgregaciones

"Vivimos en un mundo ilusionista donde la fotografía juega un rol protagónico. Sin proponernoslo, nuestra noción de "realidad" se deforma progresivamente gracias al consumo permanente de imágenes ópticas. Imágenes –que por su naturaleza misma– constituyen una experiencia alejada de la "realidad" como experiencia de vida.

La fotografía descontextualiza el proceso continuo de la realidad eliminando el factor tiempo, imponiéndonos simultáneamente una visión voyerista al desligarnos de cualquier responsabilidad por lo que estamos "viendo". La experiencia, al contemplar una fotografía, es la de alguien mirando el mundo por la cerradura de una puerta que lo protege, hace invisible y a quien su seguridad le es garantizada automáticamente.

La conciencia de que lo que vemos pertenece al pasado, la improbabilidad de que la fracción de segundo registrada vuelva a repetirse en el futuro y la imposibilidad de conocer las consecuencias a posterior, aumentan nuestro final desapego por lo que estamos observando. El resultado es la adquisición de una actitud de insensibilidad respecto a toda experiencia que pueda ser reducida a la dimensión visual. La tendencia sostenida de la sociedad a centrarse en las meras apariencias de la realidad podría en parte ser el resultado de 160 años de convivencia con las imágenes ópticas y sus excesos, resultando en la percepción de la sociedad como un aburrido escenario.

En este contexto poco importa el contenido de la imagen, sino la actitud que induce en nosotros. La fotografía no solo nos transforma en simples testigos por procuración, lo definitivo es que nos obliga de manera inconsciente a hacernos cómplices de la actitud del fotógrafo, a asumir su postura sin posibilidad de elección."

Fotografía, la muerte de un mito

2006-06-04T06:36:00.000-04:00

Algo extraño está sucediendo con la fotografía. Mientras más gente hace fotos, menos visibilidad esta tiene. Es decir, el medio fotográfico hoy en día es algo tan banal como hablar por teléfono. Lo que necesitamos para hacer fotos, no va más allá del mismo teléfono celular. Si queremos que una foto nuestra sea publicada, basta con subirla a Internet: Flikr, Fotolog, Photoblog etc. e iniciar una pequeña campaña de relaciones públicas para que la gente la vea.

foto doifel videla, "get active"

Walter Benjamin decía que la fotografía había hecho perder el "aura" a la imagen, por efecto de la reproductibilidad que no solo la alejaba del "original" sino que la ponía al alcance del público, ya que todo el mundo podía llegar a tener una copia de ella. Desde luego que esto no era más que teoría, ya que Walter Benjamin vivía en un mundo de objetos y estaba comparando un objeto único —la pintura— con un objeto múltiple —la foto—. No pasaron muchos años antes de que nos diéramos cuenta que múltiple, en el mundo atómico-molecular, no era sinónimo de infinito. La extrapolación de Walter Benjamin era simplemente imposible tratándose de objetos.

A tal punto estos objetos eran realmente limitados en número, que hoy en día descubrimos que esos objetos eran ... únicos. Que hayan sido uno, diez o cien, los hace casi únicos. La diferencia por tanto, a ese nivel, entre pintura y fotografía era más cuantitativa que cualitativa. Esto sin considerar que el negativo siempre fue único y sigue siéndolo.

El hecho que ahora podamos visualizar (y copiar) imágenes fotográficas en nuestra pantalla, a costo cero, espera casi cero, en cualquier momento y desde cualquier lugar (donde haya o llevemos un computador), si significa un verdadero cambio cualitativo.

Lo que ayer fue un cambio en la organización del trabajo, hoy es una revolución, porque pasamos del átomo al electrón.

Este cambio de "frecuencia", de niveles energéticos, de materia por impulsos eléctricos, no solo está haciendo perder el "aura" a la foto, sino también está destruyendo el mito ancestral, que parte del establishment fotográfico intenta conservar para su propia sobrevida, que la fotografía era un acto de alquimia mayor. Con el cambio al soporte digital la banalización de la fotografía es un hecho. Ya no más esperas, ni invocaciones para que las fotos, por intervención divina, salgan bien. Ya no más mantras para que el revelado no nos dé sorpresas. No más manos agitándose sobre un papel bañado en luz para regular indomables contrastes. Ahora sacamos la foto y vemos el resultado, expresado en infalibles números. La magia , los ritos y los ruegos se han ido para siempre.

Las consecuencias no solo son prácticas, sino de significados. Esto va a modificar nuestra manera de valorar la foto y de hacer fotos. Antes existían las fotos, porque ya lograr una foto correctamente expuesta, bien compuesta y publicada era un logro. Hoy en día eso lo puede hacer casi cualquier persona, por lo tanto es invisible. No es nada. Como que ahora todos andamos con zapatos, encendemos la luz con un interruptor y hablamos a distancia (bueno, no todos).

De manera que la fotografía, será ejercida por otros profesionales, periodistas, publicistas, diseñadores gráficos, pornógrafos. No será necesario "ser fotógrafo" para usar ésta de manera intensiva, como no es necesario ser escritor para usar la escritura. La fotografía es un medio, que hoy llega a tal simplicidad que permite a cualquiera usarla. Los jóvenes son los primeros en ejercer este nuevo medio, con la misma soltura que sus padres y abuelos usaron la pluma o la máquina de escribir. Poco a poco su ortografía y gramática irá mejorando, tal como ya lo observamos en países que usan hace años la foto de manera masiva. Imágenes que hace 30 años hubieran sido excepcionales, hoy son "normales" y las hace cualquiera con un poquito de dedicación.

Por otra parte la fotografía como tal, desde el advenimiento de la fotografía digital, se desplazará a otro tipo de imágenes. Algo que no pueda hacer el vulgo, sino algo que se eleve, se ponga más allá de las posibilidades de cualquier persona común y corriente, cuyo verdadero valor agregado estará dado en términos de ideas, de conceptos, en capacidad para integrar información compleja y fecunda. La fotografía como tal solo será ejercida por los artistas. Como la pintura.

La creatividad de la nueva fotografía no se expresará en el dominio del medium —ahora incorpóreo— sino en la actitud y las ideas.

Déjeuner sur l'herbe de ...

2006-05-01T22:08:00.000-04:00

Catalogándo mis fotos me encontré con una que me causa mucha gracia. Me recuerda el Dejeuner sur l'Herbe de Edouard Manet (1863).Es una imagen que a mi en todo caso me produce una suerte de entusiasmo, también hay otra versión mía del asunto, en manipulación Photoshopica.

Buscándo la imagen en Google, me encontré un montón de otras versiones, como que es un tema más que universal!

Doifel Videla Déjeuner sur l'Herbe en Colonia

imagen trabajada doifel videla

Edouard Manet Déjeuner sur l'Herbe

Baikam

Picasso, 1962

Y un montón más ...
aquí va un link

Futurología y "El instante decisivo"

2006-04-25T19:49:00.000-04:00

Si alguien hubiera dicho, hace 20 años que las cámaras con película se iban a acabar, no se lo hubiéramos creído. Sin embargo ya es algo más que una muerte anunciada.
Y si dijéramos ahora que es la fotografía misma la que se va a acabar. ¿Lo creeríamos?

No es bueno hacer futurología. Casi siempre uno se equivoca.

Sin embargo a veces hay que saber sumar 2 + 2 y sacar conclusiones. La empresa Sony ha anunciado la creación de un chip CMOS (este chip tiene la gracia de convertir la data análoga en digital ahí mismo, de allí su rapidez) capaz de sacar 60 imágenes por segundo. ¿Saben lo que significa eso? Que en lugar de hacer fotos será mejor hacer videos y luego elegir las fotos que queramos de un mar de fotografías.

No estoy diciendo que toda la fotografía está amenazada por este hecho, pero si la fotografía amateur y tal vez el mismo fotoperiodismo. Los fotógrafos serán reemplazados por videastas que trabajarán a las ráfagas, tanto para la televisión como para el periódico simultáneamente.

¿Y saben porqué creo esto? porque la obsesión por la productividad, la competencia y la disminución de los salarios está en la lógica de las empresas. No vamos hacia una mejor calidad, profundidad o discernimiento, sino a un servicio en tiempo real, de baja calidad (como nuestra vida), con niveles de compresión cada vez mayores y exigencias usuario cada vez menores. La imagen es un bien desechable, que en promedio no se mira por más de dos segundos.

¿Que diría de esto Cartier Bresson? ¿El instante decisivo se habrá transformado en una probabilidad bajo control?.

Galeristas franceses sorprendidos, pero contentos

2006-04-20T05:39:00.000-04:00

¿Como medir el mercado del arte?

foto Louise Lawler (quien se dedica a fotografiar obras de arte en su contexto)

El método más usual —porque verificable— es el de sumar las ventas anuales de las casas de remate.

Sin embargo, una encuesta realizada en Francia, mostró que las galerías privadas vendian cinco veces más que las casas de remate tipo Christie’s y Sotheby’s. La encuesta fue respondida por 230 de las 375 galerías agrupadas en el Comité Professionel des Galeries d’Art (CPGA).

Un mito que dice relación al apoyo estatal en la compra de obras, demostró ser falso pues solo 6% del monto total correspondía a compras estatales. Se piensa igualmente que la mayor parte de las obras vendidas corresponde a obra moderna y contemporánea, todo lo cual podría contradecir la idea general que Francia está en plena decadencia.

Las ventas de arte habrían alcanzado el año 2004 640 millones de Euros (U$768m) mientras que las casas de remate habrían vendido solo €127 millones (U$152m) (¡Que poco!). Se piensa que la diferencia debe ser aún mayor ya que muchas galerías disminuyeron sus cifras por miedo a los inspectores de impuestos.

foto Louise Lawler (aquí el famoso detergente "Brillo" de Andy Warhol)

Algunos Links de Fotoperiodismo

2006-04-09T20:54:00.000-04:00

fotolog.book

2006-03-27T01:55:00.000-04:00

Ya está aquí. Luego de algunos altibajos, malos entendidos y paranoias múltiples por parte de algunos fotobloggers demasiado fundamentalistas en cuanto al copyright, el libro que recoje imágenes del popular sitio fotolog.com ha sido impreso.

1001 imágenes, como en las 1001 noches, muestran la elección que realizaron el curador (un fotoblogger) Andrew Long y el escritor y músico Nick Currie.

Como lo expresara en mi post "El pajarito en peligro de extinción", estamos en una nueva era. Las fotos serán cada día menos realizadas por profesionales. Los autores del libro tuvieron para escoger entre 90 millones de fotos. Como no van a encontrar algo bueno! Lo interesante es que se podrían hacer casi infinitas versiones del libro, todo sacado de fotolog. Por eso, hoy día el talento se mueve más que nunca hacia los compiladores, los agregadores, DJs y curadores.

Editado por Thames and Hudson por el módico precio de 22 verdes. He aquí un link al sitio Amazon:

"fotolog.book: A Global Snapshot for the Digital Age" (Nick Currie)

¿Donde metemos la Fotografía?

2006-03-16T13:41:00.000-04:00

La fotografía hoy se enseña en Chile en las universidades. Sin embargo la confusión sobre la naturaleza de la fotografía no ha permitido aún que esta se integre a una facultad específica para aprovechar recursos materiales e intelectuales. ¿Donde ubicamos la fotografía? ¿En Arte, en Comunicaciones, junto a Cine y Video, en Diseño Gráfico?

shirin neshat

Los usos de la fotografía son tan extensos como las actividades humanas. La fotografía acompaña al ser humano en su deambular por el mundo y el espacio como su mejor amigo. Viaja de las profundidades marinas, hasta las estrellas, desde el mundo microscópico, hasta el estadio de fútbol. Nos acerca al ultimo look de modelos y actores famosos, como a anónimos mutilados en guerra o se presenta en museos, galerías y casas de remate alcanzando precios impresionantes.

Sin esfuerzo, casi en primer lugar podemos situarla en la práctica periodística. La fotografía es un instrumento comunicacional por excelencia y se complementa perfectamente con los periodistas de diarios y revistas. Sin embargo no es fácil encontrar la carrera fotografía dentro de las facultades de comunicacion, aunque en el extranjero, especialmente en EEUU suela suceder. También la fotografía es uno de los instrumentos más usados en publicidad y sabemos que a menudo la carrera publicidad se le encuentra también en la facultad de comunicación o comunicación y marketing. Otra razón más para que la fotografía se adjunte como carrera completa a Comunicación.

Una segunda opción sería la de situar la fotografía en una facultad de Arte, ya que la fotografía es uno de los medios más requeridos por los artistas y llena galerías y museos con gran profusión y popularidad, contando además con gran cantidad de publicaciones monográficas que sobrepasan ampliamente la de pintores contemporáneos. La fotografía no solo se usa como medium independiente en arte, sino también es empleada permanentemente por artistas que la usan como registro de performances, instalaciones, body y land art, etc. registros que por lo general son lo único que queda de estas obras efímeras y que terminan sustituyéndolas o siendo la principal o única razón de su existencia, como bien lo atestigua la fotografía china contemporánea.

Hong Lei, 2004. Soñé que estaba colgando y escuchaba al emperador Hui Zhong tocando instrumentos de cuerda con Mao.
aura gallery / type-c print ; 120×150 cm edition of 10

Una tercera opción, que también puede parecer lógica es la de integrar la carrera de fotografía en las escuelas de Cine y Video, ya que es la base misma de ellas y comparte gran parte de su historia. Al igual que cine y video es un medio basado en la óptica, opera a través de registros y requiere habilidades de dirección y articulación de otros talentos.

Finalmente, la convergencia digital y el hecho que texto, diseño gráfico, fotografía y animación se encuentren estrechamente reunidos en los formatos multimedias, como flash por ejemplo, hace a esta tan indispensable para el diseño gráfico, el diseño web y los CD multimedia que perfectamente podría encontrarse como carrera en una facultad de Diseño.

Creo que el criterio a aplicar dependerá de la orientación y las prioridades de la Universidad en cuestión, lo que si me parece cada día más anacrónico es que universidades que ya tienen sea: Arte, Comunicación, Cine/Video o Diseño, no cuenten con una carrera de fotografía dentro de esas facultades o escuelas.

Nuevos records de precios en venta de fotografias

2006-03-12T00:09:00.000-04:00

Edward Steichen. Pond-Moonlight, 1904. Long Island, NY. (2,9 millones de U$)

En el mes de febrero 2006, Sotheby's batió un nuevo record con la venta por 2,9 millones de dólares de esta imagen de 40 cm x 48 cm, realizada en 1904 por Edward Steichen, nacido en Luxemburgo y nacionalizado estadounidense.

Esta fotografía es una de las tantas que realizara Edward Steichen en pleno auge de la fotografía pictorialista dirigida en EEUU por Alfred Stieglitz, quien vendiera esta misma imagen en su galería de la V Avenida por U$ 75.

El pictorialismo, nacido en Europa (Inglaterra, Francia, Austria) constituyó el primer intento premeditado de hacer arte con la fotografía. Steichen seguiría más tarde ideas vanguardistas llegadas del viejo continente procedentes en parte del Constructivismo ruso y el Bauhaus alemán. En 1955, como director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, organizaría la exposición The Family of Man, exposición de tendencia documentalista y social.

Igualmente fueron rematadas dos imágenes de Alfred Stieglitz, la de un desnudo de su mujer, la pintora Georgia O'Keeffe y la de sus manos, por respectivamente U$ 1.360.000 y U$ 1.472.000.

Alfred Stieglitz. Georgia O'Keeffe nude (1,3 millones de U$)

Alfred Stieglitz. Georgia O'Keeffe (Hands), 1919 (1,4 millones de U$)

El record precedente había sido alcanzado por una fotografía de Richard Prince sacada de una publicidad para cigarrillos, Untitled (cowboy), que fue rematada en el mes de noviembre 2005 en la suma de $1.248.000.

Untitled. Richard Prince.

(1,2 millones de U$)

Con esto se sigue consolidando la tendencia de la fotografía a ser la mejor inversión en arte desde julio de 1990. Si en aquella época hubiera invertido 100,000 U$ en fotografía, en febrero del 2005 tendría 143,311 U$, contra 81,908 U$ en pintura y 59,084 U$ en estampas (considera también grabados). (fuente Artprice)

El pajarito en peligro de extincion

2006-02-04T21:02:00.000-03:00

(Las imágenes tomadas de Fotolog dejaron de verse debido al programa de protección que han comenzado a aplicar, pero pueden seguir el link y verlas en su sitio original)
foto ohyeis >Brasil (fotolog.com)

"You push the button, we do the rest" (Ud. oprime el botón nosotros hacemos el resto) fue el slogan de Kodak que cambió la fotografía para siempre a finales del siglo XIX o comienzos del siglo XX cuando se inventó la cámara portátil con película. La incipiente pero vital industria de fotografía profesional, que permitía la existencia de miles de estudios de retrato en todo el planeta, la venta de álbumes de viaje y la producción de millones tarjetas de visita fotográficas, se iba a desmoronar por el hecho que de allí en adelante serian los propios usuarios quienes sacarían sus propias fotos.

foto mashuga >EEUU "gente sin casa" (fotolog.com)

La popularización de la fotografía, gracias a la necesidad social y económica, produciría el cambio tecnológico que no solo destruiría el comercio profesional tal como estaba concebido, sino cambiaría también el lenguaje, el sujeto y las apariencias de las imágenes fotográficas. La fotografía profesional tardaría más de 20 años en recuperarse para comenzar un nuevo modelo de desarrollo ligado a las revistas ilustradas a mediados de los años 20 en Europa y a mediados de los 30 en EEUU. Por ejemplo:Vu en Francia (1928) y Life en EEUU (1936), especialmente impulsado en este último país por la llegada masiva de fotógrafos exiliados de Europa como Andre Kertesz, Robert Capa (nacido Andrei Friedmann en Budapest en 1913), Andreas Feininger, Alfred Eisenstadt y otros.

El fotoperiodismo sería por cincuenta años la expresión profesional por excelencia del oficio hasta que la televisión lo destronara y las revistas ilustradas cerraran una a una durante los años 70. La fotografía publicitaria y la fotografía de arte tomarían su lugar lanzando las super modelos en los 80 y el bum del arte fotográfico contemporáneo en los 90.

foto ewolman >EEUU (fotolog.com)

La fotografía digital hoy día está cambiando radicalmente el panorama nuevamente. A lo especializado se le está sustituyendo lo masivo y localizado. Los parámetros naturales de la fotografía: la movilidad y el acceso, se han visto incrementados de manera espectacular por la automatización de las cámaras y el acceso a la red de porciones importantes de la población en todo el planeta. Lo que antes lograban de manera heroica fotoperiodistas a lo Salgado, viajando por todo el mundo, hoy en día lo logran los miles de "citizen jurnalist" que fotografían en su propio hogar, barrio y en medio de sus congéneres, cuando no se están fotografiando a si mismos para hacer historia.

Se puede decir que cambia nuevamente el modelo económico al pasar la fotografía otra vez a manos aficionadas, pero también cambia el modelo cultural, pues a los gastados estereotipos impuestos por los fotoperiodistas de choque se va superponiendo una imagen más humana, cercana, involucrada y realista producida por los propios actores históricos.

foto adn_lucas > Chile (fotolog)

Exitos como los de Fotolog y Flickr, se han multiplicado en todos los países y está ya muy cercano el día en que los fotobancos de imágenes comiencen a trabajar con millones de aficionados en el mundo entero en lugar de algunos miles de profesionales.

¿Que harán entonces los profesionales? ¿Quién mirará ahora desde la distancia el pajarito, si fotógrafos y fotografiados son la misma persona?

foto roomwithaview > China (Fotolog)

Jugando con el medio

2006-01-06T18:14:00.000-03:00

Mi hermana me ha enviado un link al sitio de una fotógrafa que basa la importancia de sus imágenes en la exploración del medio: Katinka Matson.

Katinka Matson hace sus imágenes con ayuda de un escáner plano. El artículo introductor de su sitio, escrito por Kevin Kelly quién trabajó en la revista Wired, incita a pensar que al usar un escáner no está haciendo una foto sino algo nuevo, a medio camino entre la foto y la pintura. Cree que el escáner prescinde del uso de la óptica y que de cierto modo Katinka Matson ha inventado un nuevo medio.

Sin embargo ocurre que el escáner plano, así como el escáner de película, si usa óptica. En este sentido yo lo definiría como fotografía, pues como he opinado anteriormente en este blog, lo que creo que define a la fotografía es la apropiación de la imagen codificada ópticamente.

Definido así, lo que separa la pintura de la fotografía es una enormidad. Que la pintura posea una apariencia óptica es una acrobacia técnica que exige un talento pacientemente cultivado. Si le damos un pincel a un mono, caben pocas posibilidades que de allí surjan imágenes de apariencia óptica, no sería el caso si le pasamos una cámara fotográfica automática. Con ella solo podrá hacer ... imágenes ópticas.

La búsqueda de la singularidad creativa se concentró por largos años en la exploración del medio. La palabra misma "creatividad" prácticamente definió lo que que entendemos como "modernismo". La búsqueda de los límites físicos del medio junto a la puesta en tensión de todos los recursos del lenguaje, es lo que ha ido siendo dejado atrás por el arte postmoderno, quien ha abandonado la especulación en torno este tipo de "creatividad".

De modo que estas imágenes de Katinka Matson, que se pretenden novedosas, por el hecho de usar variaciones dentro de un medio definido como fotografía, no son sino la repetición de algo sobre lo cual ya se acabaron las apuestas.

Ahora bien, lo realmente particular de estas imágenes, es el hecho que el lente del escáner recorre el objeto, no está fijo como en la cámara. No solo el lente se desplaza, sino también la luz, lo que anula progresivamente las perspectivas creadas por un lente fijo, otorgándole una luz variable, que en algunos casos puede evidenciar una cierta incerteza fotográfica. La imagen entregada por el escáner es una suma de imágenes tomadas desde diferentes puntos de vista, unidas automáticamente. En otros términos, es una imagen compuesta con intervalos presentes pero imperceptibles.

BubbleShare

2005-12-25T21:50:00.000-03:00

Un sistema para poner albumes de fotos online. Gratis, rápido, limpio, sin inscripción.

Así queda un álbum subido con BubbleShare.

Photos Doifel Videla;
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La foto roba el alma

2005-12-17T07:35:00.000-03:00

16.12.2004

No recuerdo cuantas veces he participado de la risotada general que celebraba con desdén la supuesta creencia que la fotografía robaba el alma a los fotografiados. Se supone que esta es una creencia primitiva, propia de mentes incapaces de alcanzar el umbral del conocimiento de las leyes mecánicas que creemos gobiernan el universo. Una creencia contra la otra. Sin embargo nunca leí a ningún nativo, es decir a alguien que consideramos habitante del planeta de la ignorancia, afirmarlo o dar explicaciones al respecto. Siempre las citas fueron de segunda mano, en boca de algún antropólogo que suponía interpretar al marciano, que se expresaba en una lengua desconocida, con gestos de miedo, repugnancia o rechazo.

Afín de no ahondar en las interpretaciones de antropólogos y etnólogos, ya que se trata de seres humanos de una condición que no nos permite incluirlos en la sociología, aceptemos la hipótesis que la fotografía causaba una reacción negativa en los fotografiados, con relación a algo esencial de lo humano, que los interpretadores señalaban como: el alma.

Para que los fotografiados expresaran este rechazo a la fotografía, menester era que hubiesen estado en contacto con el proceso de toma y resultado de la fotografía o sea que hubieran visto una imagen fotográfica de si mismos o de alguien conocido. Su actitud negativa se deriva entonces de la observación posterior que los lleva a no querer repetir la experiencia.

No se si venga al caso pero yo personalmente experimenté algo de esta reacción en un pequeño poblado de la Sierra Central de México. Habiendo llegado allí de improviso, junto a una europea y una mulata antillana —trío folklórico deben haber pensado los habitantes del villorrio—, nos vimos rodeados de niños y niñas por todos lados, unos más divertidos que otros con nuestras curiosas vestimentas y actitudes. El jolgorio acabó en el momento preciso en que yo quise fijar la escena, sacando mi cámara fotográfica y apuntando a los niños. Acción que les heló el rostro y que hizo que en una fracción de segundo desaparecieran detrás de lo primero que encontraron, así fuera por el suelo detrás de unas malezas.

Para mi fue una experiencia inaudita y obviamente no alcancé a sacar ninguna foto, ni tampoco me atreví a hacerlo pues cada vez que levantaba la cámara escuchaba los chillidos de los niños como si los estuvieran asesinando.

No les pregunté porqué no querían ser fotografiados, pues con la actitud propia de quien cree saber, asumí que tenían miedo a que la fotografía les robara el alma.

Hoy día en la mañana he estado pensando en las diferencias entre la fotografía y la pintura. El día de ayer estuve en LA librería de Colonia, es decir la única librería bien provista de libros de arte que existe en esta ciudad y me ha llamado la atención como la fotografía, una vez que he comenzado a mirar mas detenidamente la pintura, me parece cada vez mas indistinta, es decir mas igual a si misma. Diré aquí algo obvio, que de tan obvio no había notado. La fotografía es fotografía y la pintura es pintura. Ya sé que suena profundamente absurdo, como cuando en matemáticas nos torturaban para que demostráramos que “a” era igual a “cero”, cuando de partida habíamos definido: A=0.

Lo importante de esta afirmación ridícula de mi parte es que si uno no nota esto, es decir si confunde fotografía y pintura como elementos intercambiables del universo de las “artes visuales”, toma rumbos, en mi opinión, por senda equivocada.

Muy probablemente, para alguien que practica ambas disciplinas, la diferencia se le haga patente. Sin embargo yo, siendo fundamentalmente fotógrafo, de actitud fotográfica frente a la vida quiero decir, y con algún bagaje pictórico, esta diferencia me había pasado desapercibida hasta el día de hoy, a pocos meses de cumplir 49 años y con 25 años de fotografía a cuestas.

La pintura es una imagen que se construye por capas sucesivas, digo capas pues cada trazo esta separado del anterior por un intervalo de tiempo. Es decir que cada vez que ponemos otro poco de pintura estamos creando un nuevo plano. Como la pintura surge de nuestra visión mental básicamente, aunque nos ayudemos de la visión óptica, nos nutrimos siempre de una nueva imagen de lo que queremos reproducir o expresar. Es decir cada trazo es generado a partir de una nueva imagen mental, ya que es imposible conservar alguna de ellas por más de unos segundos.

Edward Hopper, morning sun

El resultado que obtenemos, es un objeto constituido por cientos, miles o millones de capas sucesivas inspiradas en imágenes mentales variables que se van nutriendo a la vez de la imagen que estamos construyendo y que va a llevarnos de una idea inicial a otra final muy diferente. Como un texto donde los personajes toman cierta independencia del autor para llevarlo a un lugar que nunca supuso y haciendo cosas que nunca estuvieron en sus planes.

Las diferencias del modelo mental que impulsa cada impronta en la pintura, hace que en la imagen vayan apareciendo conflictos, disparidades y tensiones entre capa y capa. Estas diferencias confieren a la pintura un cierto carácter, digamos, vibratorio, por ponerle un nombre alegórico. La suma total de trazos si bien tendrá una forma, será por definición la sumatoria de una multitud de miles de versiones de si misma con mayores o menores disparidades; como una muchedumbre caminando hacia un mismo punto, donde cada individuo sigue su propia trayectoria.

El resultado es, en este sentido, tan aleatorio que no deja de atraer nuestra atención que al final todo pueda converger en una sola idea, una sola imagen. Casi parece milagroso del punto de vista “teórico”. Como milagroso me parece, a mi mente fotográfica, la creación de una sinfonía donde una multitud de instrumentos participan en la creación de un sonido múltiple a la vez que unitario.

En este sentido podría entender la música, la literatura, la pintura e incluso el cine como procesos similares que se desarrollan en el tiempo, se organizan progresivamente nutriéndose de sí mismos como parte fundamental del proceso de creación y cuyo despliegue es el resultado de millones de planos superpuestos.

Con la fotografía sucede algo completamente diferente. En ésta el tiempo esta abolido y consta de una sola capa que apunta a un tiempo que tiende a cero: el instante. El “instante decisivo”, al cual hacía referencia Cartier Bresson, que sería el momento en que apretamos el botón y que constituiría la única libertad existencial posible en el universo fotográfico. Libertad que nos esmeramos en repetir innumerables veces afín de trocarla más tarde por la libertad de elección.

una imagen de fotolog.net

El resultado de este acto único se traducirá en una imagen muy especial, antinatural e irreal ya que elimina un componente fundamental de nuestra experiencia sensorial: el tiempo. Un mundo sin tiempo, un mundo congelado, una sonrisa eterna, esa es la dimensión de la fotografía; hacer del instante, que es algo virtual para nuestros sentidos, una representación eterna. O sea que, de la formula matemática en que sabemos que “a” es igual a “cero” terminamos con la pretensión que “a” sea igual a infinito, ya que en términos simbólicos postulamos que “cero” deberá ser igual a infinito. Nuestra imagen de un instante tendrá la pretensión de ser una imagen de toda la vida.

Mas allá del uso mediático que hacemos de la fotografía, el hecho que aquí me importa señalar es que la experiencia visual de una fotografía no engaña. En una imagen fotográfica esa vibración característica de la pintura esta ausente. La fotografía representa mas una experiencia abstracta que una experiencia de vida. Sin querer ofender a nadie podría decir que la sensación que me da la fotografía, es como la de un bello animal embalsamado, un pescado en el mercado o el impresionante ejemplar de un insectario.

En ese sentido una fotografía representa no solo una improbable opción del pasado, sino algo que nunca existió para nuestros limitados sentidos y pienso, en esta curiosa mañana asoleada en medio del invierno europeo, en que las sombras se desplazan con increíble velocidad largas y rasantes por la ciudad, que tal vez sea esta la verdadera razón que puedan tener algunos habitantes "primitivos"de este planeta para sentir que en la fotografía el alma está ausente.

Nada dice, sin embargo, que no nos hayamos acostumbrado a estas imágenes sin tiempo y sin alma y que nos parezcan cada día más similares a nosotros y por tanto cuanto más apetecibles.

Filtros y cegueras

2005-12-13T17:30:00.000-03:00

En 1890 William James observaba que "solo aquellas cosas que llaman mi atención forman mi mente, sin un interés electivo nuestra experiencia seria un total caos".

En este sentido, la fotografía consiste en una percepción predigerida de la realidad, donde el fotógrafo aplica filtros para ordenar la experiencia visual, destacando o marginando aspectos, para construir una lectura dirigida.

Un aspecto curioso de este filtraje es el que dice relación con los símbolos que atraen nuestra atención y que se imponen ante los demás de manera automática. Por ejemplo las imágenes de violencia y las imágenes eróticas.

Un experimento realizado por Steven Most, Marvin Chun y David Zald en las universidades de Yale y Vanderbilt, consistió en mostrar a unos estudiantes cientos de fotografías en una secuencia de un décimo de segundo. Entre estas imágenes había una que estaba girada en 90 grados. Los estudiantes no tuvieron problemas en reconocer esta imagen.

Sin embargo cuando delante de esta imagen se anteponía una fotografía de un seno desnudo o de un miembro mutilado, el 30% de la clase no lograba percibir la imagen perpendicular. Esta "ceguera" transitoria resultó ser más débil en el caso de una imagen violenta en el caso de estudiantes con bajo nivel de ansiedad. Sin embargo los resultados fueron iguales cuando se trataba de imágenes eróticas.

¿Alguna duda ahora sobre porque la publicidad asocia una mujer desnuda a cada producto?

El problema es que si bien esto llama nuestra atención, es posible que nunca nos hayamos enterado de que producto nos querían hablar!!!

How to work better

2005-12-03T09:36:00.000-03:00

Una obra de Peter Fischli y David Weiss 1991, dos artistas suizos que a menudo usan la fotografía en sus obras.

Cuestionario de una estudiante

2005-11-22T23:34:00.000-03:00

imagen sacada de fotolog.net (lamentablemente no anoté de donde)

(Transcribo aquí el cuestionario que envía, a 31 personas, una chica por e-mail como tarea. Lo respondí de manera espontánea, tal vez para corresponder al tipo de envío. )

Hola,

Soy Cynthia Lara, una alumna de 2º de Bachillerato, resido en Barcelona, y el tema que he escogido para mi Trabajo de Investigación ha sido el de la fotografía. Me dirijo a Uds. con el motivo de hacerles una serie de preguntas relacionadas con mi trabajo, “Treball de Recerca”, para aquellos que sepan del tema.

He dado con vuestras direcciones de correo electrónico mediante páginas web que he ido consultando y una revista sobre el tema tratado (Digitalfoto).

Espero que puedan contestarme al cuestionario que expondré a continuación. Si lo hace especifique su nombre completo por favor.

1. ¿Qué es la fotografía para Ud.?
Para mi la fotografía es información codificada ópticamente. Como tal se constituye como un medio que permite hacer transitar cualquier tipo de información susceptible de ser codificada por la óptica. Como ocurre con cualquier otro sistema codificador, hay un operador que impone filtros y criterios para organizar esta información, de modo que es altamente subjetiva.

2. ¿Cree que existen diferencias entre la fotografía analógica (convencional) y digital? Podría argumentar su opinión.
Si, creo que son dos sistemas que operan en universos diferentes: el material y el digital. Cada uno de estos universos tiene lógicas, procedimientos, exigencias y alcances diferentes, de manera que las imágenes construidas apuntan a objetivos propios a su contexto. Cada una de ellas tiene desafíos y una ética que se deduce de su relación con el medio y su propio sistema. Ambas tienden a reflejar dos tipos de civilización diferente, la industrial y la informacional.

3. ¿En que aspectos está relacionada la fotografía con la sociedad? ¿Tiene ésta una función importante? ¿Por qué?
Desde luego, la prueba esta en todas partes. La imagen óptica al ser información codificada (que exige decodificación de parte del usuario) constituye un lenguaje y transmite información a varios niveles: descriptivo, emotivo, valórico, subliminal, etc. Siendo un lenguaje, la fotografía construye discursos visuales que en nada se quedan atrás respecto a los discursos escritos. Es solo otra forma de crear opinión, tendencia y consenso en el seno de la sociedad

4. ¿Cuáles son los aspectos que considera más importantes para tratar este tema?
Que la fotografía sea un lenguaje codificado y que como tal transporta información que fluye tanto por el sistema en red de la sociedad de la información, como por los medios materiales tradicionales: fotografías, impresos, cine y televisión.

5. Una fotografía buena la puede hacer alguien que sepa apretar un disparador, pero varias es algo más difícil, podría describir como profesional, ¿qué es lo que tiene que tener una fotografía para ser considerada como buena?
No creo que exista una fotografía buena, como algo en si. Existen fotografías adecuadas en contextos, épocas y de acuerdo a objetivos precisos. Una misma fotografía puede ser “buena” para algo y “mala” para otra cosa. Nunca hay que considerarlas como algo aislado de su medio y del usuario.

PD.: Agradeceré muchísimo su colaboración ya que será de gran utilidad para mi trabajo. Es urgente ya que es este viernes cuando hago la presentación por escrito.

GRACIAS

El caso Meyer

2005-11-15T10:46:00.000-03:00

imagen, Pedro Meyer

Junto a su editorial de noviembre para ZoneZero, Pedro Meyer lanza una campaña contra la Trienal de Fotografía de Seúl. En su campaña los acusa de querer censurar sus fotos. En ella publica también varios e-mails correspondientes a sus intercambios epistolares con el director del evento Lim Young. La campaña tiene como objeto recolectar voces contra la Trienal. Un mail dirigido a los organizadores se encuentra al alcance de un botón con el sujeto prescrito: "Censorship" (censura).

En resumen, al menos por lo que se entiende en estos intercambios escritos, Pedro Meyer fue invitado a participar a la Trienal en base a una serie de fotos en lenguaje documental. Faltando poco para que esta tuviera lugar Pedro cambió estas por otra serie de imágenes altamente "photoshopiadas", lo cual le llevó en definitiva a quedar excluido de la muestra donde están invitados: Martin Parr, Paul Seawright, Michael Wesely, Stephane Couturier, Sebastiao Salgado, Reagan Louie, Konstantinos Kissas, Chester Higgins Jr, Soon Chul, David Byun y Pedro Meyer.

El objeto declarado de la segunda Trienal de Fotografía de Seúl es: "la celebración de la realización de temas contemporáneos a través de la fotografía, basándose en imágenes directas". El tema para esta Trienal es: "Trans, Tránsito, Transición". La decisión de los organizadores de no aceptar las fotos manipuladas de Pedro Meyer se basa en que la nueva serie no "armoniza" con las de los otros fotógrafos invitados, lo cual es comprensible ya que su "sintaxis" es completamente diferente. Esto sin considerar que el curador invitó a Pedro Meyer en base a una serie de fotos que este cambió a última hora y sin permiso.

Sin embargo Pedro Meyer, quien parece muy orgulloso de esta nueva serie de imágenes que han perdido toda traza de sintaxis óptica, insiste en que sean expuestas, aludiendo a su naturaleza cambiante, suerte de "tránsito" de lo análogo a lo digital, con lo que encajaría en el tema de la Trienal.

Donde toma el asunto color de hormiga, es cuando Pedro, no satisfecho con argumentar su posición, amenaza a los organizadores con hacerles una campaña mundial en contra si no le aceptan la nueva serie. He aquí como lo expone:

"... si censuras mi obra en la participación de la Trienal, no me dejan otra opción que informar al resto del mundo lo que le ha sucedido a mi obra. No puedo pensar que esto sea lo que realmente quieras. En esencia el debate apenas ha comenzado cuando están ustedes contemplando la posibilidad de imponer la censura. Así lo que comenzó en un genuino deseo de hacer la presentación con mis mejores esfuerzos para su Trienal, lo están convirtiendo en algo que no había previsto, y eso es la confrontación. Por favor reconsideren su posición, por el bien de sus intereses..."

Ya que el trabajo del curador consiste justamente en decidir que obras componen la exposición, es su prerrogativa el rechazar un participante que está faltando a la propuesta inicial, puesto que su objetivo no es otro que el de armonizar las diferentes ponencias para lograr una exhibición coherente. Por otra parte, no creo en ningún caso que la amenaza sea el método correcto para exponer obras ni para originar un debate, pues aunque las obras o el tema sean válidos, se auto descalifica el autor al teñir su exigencia de un aroma gangsteril que flaco favor hace a si mismo y de paso a la cultura latinoamericana.

He pensado que una forma de corregir este hecho es enviar el "mail" que propone Pedro Meyer, expresando lo que uno realmente piensa en lugar de su texto preformateado.

En un futuro post trataré este tema, de interés para todos los fotógrafos que se encuentran en la encrucijada entre la foto análoga y la digital.

"Lucky 13" de Phillip-Lorca diCorcia

2005-11-04T20:33:00.000-03:00

La última exposición de Phillip-Lorca diCorcia ha provocado controversias en el mundillo del arte en Nueva York. La serie consiste en 13 imágenes de strippers colgadas o sujetas a los postes que les sirven para su representación. Como en las otras series de este artista, estas se encuentran iluminadas por luz de flash y parecen mirar hacia la nada. Abuso, pornografía, explotación, dicen algunos. Otros redención, realismo o documentación. Nadie duda que "the sex industry" es un tema candente en la actualidad y que la serie da en el clavo.

Como sea, el caso es que los comentarios de los visitantes han sido bastante elocuentes. "Me dejó por el suelo", opina la critica Ms. Sady en su sitio culture catch. "Deprimente" agrega el periodista Flinch en su comentario en artnet Magazine. ¿Sera que las imágenes son más aplastantes que un espectáculo que atrae a miles de personas cada día? ¿Será que es más fácil experimentar algo que el de estar consciente de él?

Aperture

2005-10-22T11:32:00.000-03:00

No soy un gran fetichista de equipos o programas, pero me tienta hacer un par de alcances sobre el programa de edición de fotos que acaba de sacar Apple: Aperture.

Aperture es un programa que implanta en todas sus letras el concepto de "flujo digital" para imágenes. Estas son trabajadas en sus sistema nativos RAW de manera no destructiva, generando diferentes versiones que no ocupan espacio en el disco duro, dejando el "negativo digital" intacto.

Este programa permite a grosso modo: visualizar las fotos en tiempo real mientras se trabaja con la cámara; copiarlas al disco duro; visualizarlas de manera lineal, agrupadas por intervalo de toma (stack) o comparativamente; editarlas en términos de: exposición, saturación, brillo, contraste, tono, temperatura color, grano y nitidez. Corregir defectos producidos por el polvo; cortar (crop) las fotos en diferentes ángulos; crear catálogos seleccionados en base a variables EXIF (datos técnicos de la toma) o IPTC (datos subjetivos sobre la imagen); permite llenar los IPTC y también crear y aplicar plantillas de manera amistosa. Finalmente permite controlar el output tanto en impreso (imprenta o copia fotográfica) visualizando el color gracias a Colorsync y perfiles ICC, crear planchas de contacto para imprimir o enviar por e-mail, editar diferentes opciones para álbumes o libros y crear paginas en HTML para internet.

Pienso que es una buena noticia para los fotógrafos profesionales que tienen que lidiar con miles de fotos esperando a ser clasificadas, administradas y optimizadas. El programa cuenta con soluciones ingeniosas análogas al flujo tradicional, como la lupa, el agrupamiento (stack) de fotos similares, el layout para libros, pero pone las exigencias en términos de equipo bastante altas, un procesador dual G5 de 2 GHz, 2 Mb en RAM y 5 Gigas de espacio en disco duro. Para los requerimientos mínimos la exigencia baja un poco pero no mucho: G5 de 1,8 MHz, 1 Mb en RAM y una larga lista de tarjetas gráficas. Para los móviles, como yo, la exigencia mínima es Powerbook G4 de 1,25 MHz y 1 Mb en RAM, carta gráfica ATI Radeon 9600 o 9700.

En resumen es un programa idóneo para fotógrafos profesionales, ya sean fotógrafos periodísticos, deportivos, editoriales, publicitarios o sociales, que generan grandes cantidades de imágenes, a menudo similares y que deben elegir entre 20 versiones de un mismo hecho. También es recomendable para aquellos con grandes stocks de imágenes digitalizadas y que necesitan ser clasificadas. Pero, a mi parecer, lo más importante es que reune en un solo concepto tareas que hasta ahora se encontraban dispersas entre varios programas. Photoshop en su última versión CS2 ha tratado de resolverlo, pero a veces "quien mucho abarca poco aprieta" además Aperture cuesta US$ 499, frente a los US$ 599 de Photoshop.

No hay que creer que Photoshop y Aperture son concurrentes, en parte sí pero en mucho no. Photoshop está orientado hacia la manipulación de imágenes, publicidad, imágen digital compuesta y salidas a impreso o Lambda, Aperture es un programa de administración y optimización para manejar con poco esfuerzo miles de imágenes de stock y no morir en el intento.

Definiciones

2005-10-10T13:34:00.000-03:00

Stephen Shore - 1976.

En mis post anteriores me he referido al mercado de la fotografía, observado a través de la actividad de las casas de remate, puesto que es allí donde existe un seguimiento y una estadística de obras en venta y de obras adquiridas. Paralelamente a estas cifras existe el mercado de las galerías, que realizan ventas directas a clientes así como ventas en remates y también la venta personal que hacen artistas y fotógrafos de sus propias obras.

Me parece importante destacar estas tendencias porque nos dan una idea del valor que asigna la sociedad a las fotografías en un momento dado. Valor que no es un valor en sí, ni un valor absoluto, sino resultado de la acción de varios factores como la moda, la especulación, la influencia de los críticos, la influencia de los curadores a través de instituciones y las adquisiciones masivas realizadas por empresas privadas.

También me parecen importantes las categorías que usa el mercado para clasificar la fotografía, que si bien tampoco es absoluta, al menos es clara en sus rasgos generales y nos ayuda a establecer una cartografía de la fotografía, con centro y periferias dentro de estas mismas clasificaciones. A continuación doy una descripción de lo que se entiende por cada una de ellas.

Henry Peach Robinson - Fading Away, 1858

Fotografía vintage (vintage old photo): se refiere en general a aquellos documentos fotográficos realizados personalmente o bajo supervisión directa, por autores ya fallecidos. En general se refiere a fotógrafos del siglo XIX o comienzos del siglo XX donde la labor manual era parte importante del proceso. Entran en esta categoría todos los formatos pioneros de este medio como el daguerrotipo y movimientos como los pictorialistas.

André Kertész - 1928

Fotografía moderna (modern photo): Se refiere en general a la fotografía experimental que cubre aproximadamente el período de entre las dos guerras mundiales (1918 - 1940) y la fotografía experimental blanco y negro de los años 50 hasta fines de los 70. También se puede incluir la fotografía de países que han tenido un desarrollo más tardío en este género y que tiene lugar actualmente (por ejemplo Latinoamérica). Se usa el término "moderno" en directa relación al "modernismo" en arte, que se concentra en la exploración de las posibilidades y límites del medio y que declina a mediados de los años sesenta para ser reemplazado por el arte conceptual. El modernismo en fotografía comienza ya en 1910 como reacción al pictorialismo.

William Eggleston - 1971

Fotografía contemporánea: Es la fotografía que nace como producto del arte conceptual basado en la noción que el arte es en esencia una idea que puede existir independientemente del objeto de su representación (arte-idea, post-objeto, arte-desmaterializado). La fotografía en este caso sirve de soporte opcional a una proposición o como documento de un evento construido o de un dispositivo artístico. Esta orientado hacia el arte como conocimiento, explorando los códigos estéticos, culturales, históricos y del medio, igualmente los procesos, las estructuras y lo invisible. Muchas de las fotografías contemporáneas son realizadas por artistas que no se reconocen en la tradición de este medio, sino en la tradición del arte y que usan la fotografía por su capacidad documental, evitando sus recursos retóricos. Sin embargo es evidente que la fotografía se ha transformado en el soporte predilecto de muchos artistas conceptuales llegando a ser su única expresión. Usualmente se considera la obra a color de William Eggleston y Stephen Shore, en los años setenta, como importantes iniciadores de la fotografía contemporánea.

Fotografía contemporánea: + 35% en el año 2004

2005-10-09T10:49:00.001-03:00

Louise Lawler - Big, 2002-2003, 1.341 cm x 1.181 cm

Según Artprice, a mediados de los años 90 la pintura era el único medio que poseía un interés especulativo en el mercado del arte. Sin embargo, recientemente, otro medios han probado ser más lucrativos que la pintura. El mercado de la fotografía ha conocido una rápida expansión en los cinco años recién pasados constituyendo hoy en día el segmento de mayor crecimiento del mercado del arte. Los precios de la fotografía han crecido un porcentaje de de 7,6% anual desde 1994, comparado con el 4,4% de la pintura.

Phillips y Sotheby's son quienes han disputado el liderazgo en ventas de fotografía, cada casa ha vendido EUR 16 millones y EUR 17,3 millones respectivamente en 2004.

Los precios más altos tuvieron lugar en el segmento de fotografía contemporánea. Algunas de estas ventas alcanzaron precios espectaculares en el remate de Phillips el 8 y 9 de noviembre del 2004, como: Charles RAY (USD 470,000), Cindy SHERMAN (USD 420,000 por Untitled # 92, 1981) y Mike KELLEY (USD 360,000). En Sotheby’s, America's Richard PRINCE alcanzó con su tríptico " Women Looking in the Same Direction "(1980) la cifra récord de USD 650,000, un aumento de 741% de su precio.

Richard Prince - Women Looking in the Same Direction, 1980, vendidas por USD 650,000

Los precios de la fotografía contemporánea crecieron un 35% en el año 2004.

TENDENCIA EN LOS PRECIOS (según Artprice)

Richard PRINCE: +187%
Louise LAWLER: +61%
Andreas GURSKY: +27%
Nan GOLDIN: +24%
Robert MAPPLETHORPE: +20%
Hiroshi SUGIMOTO: +13%
Larry CLARK: +4%
Vik MUNIZ: -1%
Robert GOBER: -8%
Cindy SHERMAN: -9%
Andrés SERRANO: -9%
Thomas RUFF: -14%
Thomas STRUTH: -24%
Gerhard RICHTER: -33%
Manuel ALVAREZ BRAVO: -40%

Si bien el mercado de fotógrafos norteamericanos ha seguido creciendo, los precios de los fotógrafos top de Alemania han estado perdiendo impulso: Thomas STRUTH -24%, Thomas RUFF -14% y Bernd & Hilla BECHER -32% en el 2004. Andreas GURSKY ha sido la excepción en la fotografía alemana contemporánea, una de cuyas obras, Untitled V, llegó a venderse en 2002 por USD 611,909, ha logrado recuperarse en 2004 luego que sus precios cayeran en el 2003.

Andreas Gursky - Untitled V, 1997, 185.4 x 443.2 cm, vendida por USD 611,909

¿Como se reparte la torta?

2005-10-07T14:56:00.001-04:00

foto Cindy Sherman, Untitled #92. 420.000 USD

El año 2004 se vendieron 7.000 fotos en salas de remate. Menos que el año 2000 cuando se transaron 9,200. Sin embargo los 70 millones de USD vendidos representan un aumento del 31% respecto al 2003. O sea, las fotos están cada día más caras.

Las imágenes que más caro se venden corresponden a la fotografía contemporánea que se lleva más de la mitad de la torta con un 53%. Las consideradas modernas (ya hablaremos de estas categorías) un 38% y las vintage (básicamente fotografía del siglo XIX) un 9%.

Por otro lado los fotógrafos menores de 65 años, aumentaron sus ventas de 19,7 millones de USD a 36,6 millones de USD del 2003 al 2004.

En el año 2004, 105 fotografías excedieron la cifra de los 100.000 USD, 70 de ellas correspondían a fotografía contemporánea.

mp3 sobre Cindy Sherman y Untitled #92 (en inglés)

serie > 02: Habemus Papam

2005-10-07T13:40:00.000-04:00

Pocos días antes que me regresara a Chile, tuvo lugar la reunión de los jóvenes católicos con el Papa en Colonia, Alemania. El ambiente era festivo, colorido, pacifico y sexy.

Una chica hondureña me preguntó, ¿Crees que estamos molestándo en la ciudad? (eran más de medio millón en una ciudad de un millón) Le dije: en absoluto, !deberían quedarse un mes más!

Y no era ironía, creo que nunca vi tan buen ambiente en Colonia.

foto doifel videla

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El ojo divino

2005-09-25T14:22:00.000-04:00

foto doifel videla

Se dice que la pintura pre-Renacentista representaba la mirada de Dios sobre la realidad, mezclando libre y arbitrariamente tiempos y espacios en un mismo plano. Dios todo lo ve y está en todas partes.

El invento de la cámara óptica, alrededor del siglo XV, substituye la mirada divina por la mirada humana, admitiendo que el ojo mecánico —único, indivisible y temporal— proclame su lógica acotada por el tiempo y el espacio. Surge la pintura Renacentista, al imponerse la visión del artista, en toda su individualidad y temporalidad, sobre la mirada divina.

Hoy en día, con las cámaras de vigilancia instaladas en calles, carreteras, bancos, sistemas de transporte, empresas, instituciones, colegios y edificios privados, las cámaras digitales de los aficionados, las cámaras insertas en los teléfonos celulares, las cámaras que nos observan desde los satélites, podemos decir que hemos recreado la mirada divina.

Cuando miramos sitios como fotolog.net, photoblog.net o flickr.com tenemos acceso al álbum familiar más grande de nuestra humana historia. Un álbum con el que solo escritores de ciencia ficción hubiesen podido soñar.

El acceso, siempre ha sido un componente esencial de la fotografía. Muchos documentos fotográficos, basan su importancia en tener accesos privilegiados (ejemplo, Daniela Rossell) a ciertas situaciones. En el caso de estos fotoblogs, el acceso a mundos privados, a personas individualizadas y su intimidad, su quehacer cotidiano, representa una ampliación muy grande en el campo de la fotografía. Un hecho que no dejará de tener repercusiones, como un enorme tsunami de imágenes antes encerradas bajo llave.

Pensemos como este enorme material de información se transformará en conocimiento aplicado.

Imágenes autoreplicantes

2005-09-14T16:14:00.000-04:00

Entendemos la historia como una sucesión de hitos, capítulos o escalones en pos de una permanente evolución hasta el día de hoy. Sin embargo sabemos que cada reducto humano, por más pequeño que sea, no es más que una amalgama de conciencias que comparten tiempos y espacios perceptivos diferentes. Nada más sea por las diferencias generacionales, de género, económicas, culturales o sociales, en el seno de una misma familia o incluso de una pareja.

En este sentido, difícil es percibir, si estamos o no pasando de una época a otra.

Es evidente, sin embargo, que sectores cada vez más amplios de poblaciones en el planeta están siendo presionados en sus oficios, la calle y el hogar por tecnologías que implican cambios en su entorno, la manera de hacer las cosas, la manera de relacionarse e incluso la lógica para razonar. Para aquellos capaces de adaptarse, el cambio es una necesidad, un alivio y una oportunidad. Para aquellos que se resisten, o que no tienen la capacidad o posibilidad de adaptarse, es una fuente de inquietud, de marginación, de pérdida de la noción de realidad. La frase que resume este último sentimiento es: ya no entiendo más este mundo.

La fotografía, como todos los otros medios y oficios ha sido golpeada por los cambios tecnológicos. La digitalización de las imágenes ha permitido que estas puedan ser compartidas a un nivel inimaginable en relación a su anterior dimensión material, expresada en la existencia de negativos, diapositivas y copias de papel. Esto se expresa en una fórmula paradojal que sin embargo es ya una realidad. 1 = infinito. Solo basta poner una copia en la red para que automáticamente esta pueda ser compartida por una cantidad infinita de usuarios.

La propiedad autoreplicante de las imágenes digitales ha cambiado el rostro de la fotografía. Los bancos de imágenes en red, han reemplazado progresivamente el trabajo de los fotógrafos locales, imponiendo de paso nuevos lenguajes, valores culturales y sobre todo: precios. Estos últimos, como consecuencia de la autoreplicación gratuita de las imágenes, han caído dramáticamente, llevando a la quiebra a miles de fotógrafos en todo el mundo. Las agencias de publicidad, que antes usaban un 95 % de mano de obra de fotógrafos locales, hoy en día usa como mucho un 20 %. Situación aún más marcada en los países donde no se crean las tendencias, solo se consumen.

La primera etapa en este proceso fue el traslado de los bancos de imágenes, que anteriormente vendían a través de catálogos impresos, a la red. La segunda etapa vio aparecer grandes compañías con actitudes monopólicas como Corbis (de Bill Gates) y Getty, que han ido apropiándose de archivos fotográficos en todo el planeta a una velocidad alucinante, incluidas las agencias fotográficas. Actualmente vemos aparecer lo que podría ser el perfilamiento de una tercera etapa que puede cambiar la vida, de muchos fotógrafos. Los bancos de imágenes de usuarios.

foto skiny_

Un caso emblemático me parece ser Fotolog. Este foto blog, creado en mayo del 2002 por un grupo de amigos, hoy día (14.09.2005) supera las 58 millones de imágenes y cuenta con 1.795.332 miembros. Esta fórmula, inspirada en la lógica y tecnología desarrollada en los blogs, ha sido clonada o imitada en diferentes países, siempre con bastante éxito en el sentido de atraer usuarios. Es verdad que no parecen por el momento generar ganancias, pero obviamente no está lejos el día en que alguien sabrá como sacarle partido. De momento, es posible que signifiquen una suerte de "espada de Damocles" oscilando sobre la cabeza de los fotógrafos. (ver artículo wikipedia)

La tendencia cultural es que las imágenes sean cada día más parecidas a la realidad de los usuarios. Hay revistas europeas o norteamericanas, donde simplemente el uso de modelos profesionales ha sido reemplazado por el uso de personas realmente insertos en tales opciones de vida. Una suerte de reality show permanente.

Desde luego el fenómeno aún no es masivo y pasará algún tiempo antes que nosotros seamos los modelos de nosotros mismos, sin embargo todo apunta hacia allá.

*todas fotos sacadas de fotolog.net

comentario > 02: "reGeneration"

2005-09-08T17:52:00.001-04:00

50 Photographers of Tomorrow

foto © Angela Strassheim, sin título, de la serie Abandonados, 2004.
Courtesy of Marvelli Gallery, New York

En su XX aniversario, el Musée de l'Elysée de Lausanne, Suiza, ha seleccionado 50 fotógrafos provenientes de las 60 escuelas top de fotografía en el mundo para la exposición reGeneration "". En ella se intenta presentar las tendencias del momento, expresadas por fotógrafos aún no comprometidos ni con el mercado, ni con el establishment artístico.

El texto de introducción de la exposición manifiesta que lo mas impactante es la tendencia de los jóvenes a teorizar sobre la fotografía y a ubicar su obra dentro de este contexto, donde Roland Barthes aparece como la mayor influencia, en lugar de citar fotógrafos de generaciones más antiguas como Walker Evans, Cartier-Bresson, A. Bravo o D. Arbus.

Igualmente notable es la casi ausencia de fotografía blanco y negro así como el interés en ilustrar algún tipo de "verdad", tema central en la fotografía tradicional. La ficción o ficciones, se podría concluir, parecerían ser opciones más verdaderas para estos jóvenes fotógrafos.

La "reGeneración" de fotógrafos parece más dispuesta a comentar el mundo, que a descubrirlo. De este modo abstraen, observando entre líneas, las estructuras subyacentes, en lugar de buscar los momentos dramáticos; tendiendo a formar sus opiniones más en series de imágenes, que a través de "la" buena foto. En lugar de encontrar un sujeto, optan por construirlo (poniéndolo en escena o trabajándolo en el computador); esto les hace ver su trabajo como algo perfectamente genuino, tanto como el que más.

foto © Pétur Thomsen, Paisaje importado, Kárahnjúkar, Islandia, 2003

critica > 01: Exposicion Mapas Abiertos

2005-09-02T13:40:00.001-04:00

MAPAS ABIERTOS: FOTOGRAFÍA LATINOAMERICANA 1991 - 2002
Hasta el 16 de octubre, 2005. Sala de Arte Fundación Telefónica.
Alameda 111, Santiago, Chile

foto Lucía Chiriboga. "Viviré para contarlo"

En la Sala de Arte de la Fundación Telefónica, se expone la muestra de fotografía "Mapas Abiertos: Fotografía latinoamericana (1991 – 2002)". Este es un proyecto de Ediciones Lunwerg, apoyado por Fundación Telefónica y dirigido por el curador Alejandro Castellote, fundador y director artístico de PHotoEspaña (en sus tres primeras ediciones) .

Lo primero que debo mencionar es que es una exposición imprescindible. El esfuerzo por reunir material fotográfico procedente de nuestro continente ha sido considerable y en esta muestra se encuentra presente la mayoría de los artistas que han sido fundamentales en los años 80 y 90. En segundo lugar destacaría el hecho que la muestra está constituida por obras relativamente recientes (menos de 15 años), lo cual nos da un panorama más actualizado del quehacer fotográfico en el continente. En tercer lugar creo importante señalar que se trata de obras que rompen con la tradición fotoperiodística y documental presente en los años 70 y parte de los 80 en América Latina.

Pienso que para el público santiaguino, y especialmente para los fotógrafos, es una gran oportunidad poder apreciar la obra de estos artistas, reunidos en una muestra colectiva, exhibiendo un tipo de fotografía que en el ambiente fotográfico nacional ha tenido dificultades en desarrollarse y ser reconocido. Dos alcances sin embargo: la muestra no está completa y el catálogo de 342 páginas, esencial en esta exposición, no está en venta, ni tampoco es visible. Especialmente importantes son los ensayos que figuran en el catálogo. Para empezar por el de Alejandro Castellote, curador de la exposición, quien explica sus intenciones y metodología para seleccionar los autores; Juan Antonio Molina, crítico e investigador cubano, que reflexiona sobre la fotografía latinoamericana de los años noventa; Rubens Fernandes Júnior, crítico y comisario de fotografía, director de la Facultad de Comunicación de la Fundaçao Armando Alvares Penteado, que hace un panorama de la fotografía brasileña; Alejandro Castellanos, historiador y director del Centro de la Imagen de Ciudad de México, que escribe sobre su país como anfitrión de artistas latinoamericanos y hace un análisis de la fotografía mexicana; Iván de la Nuez, escritor cubano, crítico de arte y responsable de Virreina Exposiciones, que reflexiona sobre la preeminencia de la imagen en las generaciones posteriores al boom de la literatura iberoamericana; y Sergio Guerra Vilaboy, que ha reunido una completa cronología socio-política de la década de los noventa en Latinoamérica. Finalmente, se incluyen las biografías de todos los autores.

foto Ricardo Gómez Pérez

Me he referido al catálogo, no simplemente para indicar una ausencia que me parece algo desafortunada, sino porque esta exposición invita a la reflexión en muchos sentidos. Es probable, en primera instancia, que el visitante santiaguino sienta que está en presencia de una exposición más próxima a la pintura que a la fotografía. Es decir una exposición donde la fotografía directa y documental, a la cual tal vez este más acostumbrado, parece expatriada. Nada de esto es sin embargo negativo, muy por el contrario, la exposición muestra y demuestra que las posibilidades del medio son mucho mayores, recordándonos que nuestros artistas no están condenados a la fotografía documental como forma de expresión obligado.

La mayoría de las obras expuestas se centra en torno a un proyecto "modernista" de desafío a los límites del soporte fotográfico. Destacándose, en este sentido, la puesta en tensión de éste a través del collage, la sobreimpresión, las imágenes compuestas (dípticos, trípticos, etc), la manipulación química, las obras híbridas con intervención gráfica y pictórica y las manipulaciones digitales. Es tal el nivel de preeminencia del aspecto formal de las obras, que es inevitable considerarlo parte del discurso principal de la muestra.

Alejandro Castellote expresa en su ensayo que ha intentado evitar los estereotipos exóticos y alejarse del Realismo Mágico, corriente literaria de los años 60, para lo cual ha contado con el asesoramiento de expertos latinoamericanos: críticos, directores de revistas y de editoriales, comisarios, conservadores de los departamentos de fotografía de los museos más activos en la década de los 90, responsables de colecciones públicas y privadas, profesores de universidades, galeristas y los propios artistas. Con objeto de darle una organización temática a la muestra, Alejandro Castellote ha dividido esta en tres ámbitos: "Rituales de identidad", "Historias alternativas" y "Escenarios". Sin embargo, pese a las sinceras intenciones de Alejandro Castellote, creo que la exposición se inserta en toda plenitud dentro de la lógica del Realismo Mágico, algo que no ocurría con la fotografía social y militante de los años 70 y comienzos de los 80, donde el indigenismo y el reportaje social y político predominaban. Esto se expresa en un concepto de realidad que se oculta trás un manto simbólico y onírico, suerte de "subrrealismo" criollo, como yo califico esta vertiente latinoamericana, donde el ser humano es ubicado en un cruce de caminos entre el animal, la tierra, las plantas, los dioses, la memoria y los sueños. Constantes son las alusiones a la hibridación humano/animal en el caso de Cecilia Paredes, Javier Silva Meinel, Cravo Neto y Víctor Vazquez; humano/tierra/mapa/materia en el caso de Lucía Chiriboga, Gustavo Frittegotto, Claudia Andujar, Adriana Calatayud y Oscar Muñoz; ; humano/planta con Juan Carlos Alom y Res; humano/dioses es el caso de Gerardo Suter y Tatiana Parcero; memoria/albúm Marcelo Brodsky, Juan Enrique Bedoya, Anan Casas y Eustaquio Neves y finalmente imágenes de tipo onírico por Miguel Río Branco, Katya Brailovsky, Alejandra Bachrach, Cassio Vasconcellos, Flavia Gandolfo, Jaime David Tischler, Ricardo Gómez Pérez y Luis Gonzalez Palma.

Se diferencia, en esta exposición, un cierto número de obras, que se separa de la tendencia general, pues pone el acento, no en los límites del soporte, sino en la manipulación de códigos culturales y que podríamos catalogar como actitud postmoderna. La diferencia, tanto formal como en contenidos, es importante. Al carácter eminentemente "endógeno" de la mayoría de las obras "modernistas", que establecen pocos lazos con culturas exteriores y que bañan en un espacio temporal definido por la nostalgia y la mitología identitaria, se agrega este conjunto de artistas contemporáneos que si comunican con la cultura exterior, no temiendo ironizar con la propia iconografía latinoamericana o mundial. Lo más representativo de este grupo lo constituyen sin duda las obras recientes de Marcos López: "La última cena" y una versión tersgiversada de "La buena fama durmiendo" de Alvarez Bravo.

foto Marcos López

Dentro de este grupo de artistas, podrían figurar además Daniela Rosell, Jorge Aceituno, Nelson Garrido, Vik Muniz, Jonathan Harker, Jaime Avila, Luz María Bedoya, Luis Molina Pantin, Leonel Luna, Martín Weber, Sebastián Friedman y Alessandra Sanguinetti. Todos ellos usan la fotografía por lo general de manera directa, sin rehuir la crudeza del color o las formas definidas por la simple óptica. No vemos en ellos el recurso a lo onírico o a lo mitológico presente en el grupo mayoritario, como si aceptasen finalmente que nuestras realidades colectivas están definidas por lo urbano, la televisión, la sociedad de consumo y las personas de apariencia común y ¡con ropa!.

foto Luis Molina Pantin

Finalmente, last but not least, cabe una palabra de entusiasmo con obras resultantes de experiencias realizadas con comunidades de Perú (TAFOS); de México (Taller fotográfico de Gueletao) y de Guatemala (Niños fotógrafos de Guatemala), donde, gracias a las cámaras facilitadas, sus propios habitantes nos entregan una idea de autorepresentación fresca, honesta y no desprovista de humor y poesía.

En resumen, la exposición marca un hito en la fotografía de arte latinoamericano, representando muy bien la década de los 80 y los 90. Aquella que se atrevió a transgredir los límites impuestos por una cierta fotografía social, militante, pura y dura, para volar con las alas de la creatividad. Quedan abiertas las puertas también para que una nueva camada de autores contemporáneos, quienes parecen haber encontrado una posición en las sociedades latinoamericanas —eminentemente urbanas—, enfrenten el diálogo con el resto del mundo, dejando atrás un mitológico paraíso perdido.

Entre el deseo y la angustia

2005-08-02T20:21:00.000-04:00

Esta imagen, del fotógrafo sudafricano Pieter Hugo me ha llamado la atención, no por la historia que se encuentra detrás ella, la cual en si es interesante, sino la por la sensación que desprende.

Un hombre, que parece sacado de un cuadro de Bosh, domina la calle con un animal terrorífico. Un hombre que por su indumentaria podría ser un asaltante, un artista o un ser apocalíptico. Esta imagen me recuerda los comics que leía en los 70 donde era usual representar un mundo donde todo se había podrido y reinaba la violencia mas desenfadada ejercida por extraños personajes.

El animal es una hiena. ¿Que hace un hombre con una hiena en medio de la calle? ¿Nos amenaza o simplemente nos da un indice de la situación a la que hemos llegado? Hombres y hienas unidos en un mundo donde ya no existe otra ley que la del mas fuerte. Donde el hombre y el carroñero se disputan los restos de vidas despedazadas.

En su nuevo libro W. T. J. Mitchell, "What do pictures want?" afirma que las imágenes, una vez creadas tienen vida y deseos propios. Agrega que el proceso constituye una suerte de canibalismo, las imágenes desean ser poseídas, incorporadas en nuestra mente. Citando al psicoanalista Lacan, Mitchell explica que se trata del doble juego del deseo y de la ausencia. Dicho en otros términos ¿Que es lo que falta en la imagen? ¿Como podríamos completarla? Es en nuestra pulsión de completarla, de animarla, de transformarla en una realidad, que se realizaría nuestro deseo.

"The picture wants your body. It does not just want your consent or your attention. It wants you physically. Some pictures demand sacrifice." W. T. J. Mitchell.

Instantaneidad y lenguaje

2005-07-27T18:11:00.000-04:00

La instantaneidad en fotografía es algo que hoy por hoy se da por hecho. Sin embargo fueron necesarios más de cuarenta años, desde el momento en que se le adjudicó el invento a Daguerre en 1839, para que se lograra alcanzar. Algunos de los precursores serían, Edward Muybridge en EEUU, Etienne-Jules Marey en Francia, el pintor británico Thomas Eatkins y el pruso Ottomar Anschütz en Alemania.

La instantaneidad es desde luego es una gran victoria de la mente, porque permitió acceder —con una máquina— a un mundo más allá de nuestra percepción, la representación virtual de un fantástico deseo: detener el movimiento, extrayéndolo del flujo del tiempo. Y aunque fuese bajo la forma de un documento plano y en tonos grises mas bien alejado de la colorida y bullente realidad, nuestra mente fue perfectamente capaz de imaginar el resto.

La fotografía se transformó, de este modo, en la abstracción que es hoy día, pues permitió eliminar un componente fundamental de nuestra existencia: el tiempo. Nos hizo descubrir un mundo que los ojos solo adivinaban, presuponían o atisbaban entre dos pestañeos. La fotografía no solo fragmentaba el espacio dividiéndolo en trocitos seleccionados por el encuadre, sino también en intervalos de tiempo que tendían a cero.

Estos pioneros de la detención temporal convergieron junto a los inventores del destello luminoso quienes desde 1864 en adelante comenzaron a usar diferentes materiales inflamables, como el magnesio, para independizarse del sol y reducir el tiempo de pose. La base de la fotografía moderna había sido fundada. El continuum tiempo-espacio sería roto definitivamente por la fotografía dando lugar a una serie infinita de representaciones cada vez más fragmentadas de la mirada humana.

La hazaña dio nacimiento a la fotografía aficionada, que se disparó de manera exponencial, al permitir eliminar esas patas de madera que daba a los profesionales cierto aire de superioridad tras el paño negro, posibilitando también el cruce con la antigua técnica de animación de imágenes fijas, con la cual —gracias a la lectura rápida de la secuencia de imágenes analíticas— conseguía restaurar la sensación de movimiento, generando los principios del cine.

Sin embargo, es posible que este momento histórico, este período, no haya sido explorado hasta sus últimas consecuencias. Escapando incluso a los escrutadores ojos de los semiólogos, poco entrenados en la experiencia fotográfica. La consecuencia mayor de la instantaneidad quizás, es que haya dado lugar a un elemento de primera importancia, a una unidad muy cercana a un signo, llamémosle: el fotográma. El fotográma es la unidad de base de un rollo de película. Es gracias a esta unidad de base que el cine constituye un sistema modular (discreto), consistente en una secuencia de unidades independientes, que podemos combinar, eliminar y multiplicar por separado.

La modularidad nos permite establecer una analogía entre el alfabeto —que es modular— y el cine que también lo es. Alguien podría elevar la objeción que el alfabeto es finito y por eso constituye un código y de allí que se derive un lenguaje. Sin embargo no hay una razón fundamental para imponer la exigencia que este alfabeto sea finito. Hay sistemas de escritura, como el alfabeto chino que cuenta con miles de signos diferentes basados en conceptos, que van más allá de la capacidad de memorización del usuario común. Solo debemos requerir que las unidades sean generadas siguiendo una metodología similar, sean solidarias entre si y sobre todo conformen un sistema coherente. En ese sentido, nada mas regular que los fotográmas que son todos generados a partir de la codificación óptica.*

Tenemos así por un lado el invento del fonema, basado en la creación de partículas abstractas (alfabeto) derivadas del sonido de lenguas específicas y por otro el invento de los ideogramas basados en la conceptualización de experiencias humanas (con algunas reminiscencias visuales y auditivas), independientes del lenguaje hablado. El fonema es, de este modo, algo ajeno al lenguaje oral y el ideograma algo ajeno al pensar, lo cual no impide que intenten reconstruir simbólicamente la fuente de la cual emanan. Para crear ambos sistemas fue necesario extraer una partícula fija de flujo auditivo o del flujo mental que será inmutable, combinable y repetible.

Mi proposición por consecuencia trata de lo siguiente: si la fotografía logró extraer, aproximadamente entre los años 1872 y 1890, una partícula abstracta fija que permitía recrear simbólicamente su fuente original que era la mirada en su dinámica y temporal dimensión, bien podemos afirmar que el fotograma constituye el signo de base de un lenguaje visual perfectamente estructurado.

Esta afirmacion probablemente no llamara mucho la atención si estamos pensando en el cine, ya que estamos acostumbrados a que gracias a estas pequeñas fotos organizadas en secuencia se recree la mirada simbólica de un cameraman con el cual nos identificaremos. El peso de esta afirmación tomará ciertamente otro significado si lo aplicamos al uso y tradición de la fotografía, porque entre el fotograma de un rollo de película destinada al cine y el fotograma de un rollo destinado a la foto no hay ninguna distancia sino es la del método e intención de trabajo. Nada impide asociar ambas y concluir que el fotograma alojado en la cámara del fotógrafo no es mas que una etapa en un proceso mucho mas amplio que es la búsqueda de la reconstrucción de la mirada, lo cual fue logrado en el cine y no en la fotografía. Es posible entonces que ese sentido de orfandad, que ha aquejado la fotografía desde temprana edad, encuentra allí su origen. Como si alguien hubiera dedicado su vida entera a fabricar y coleccionar solo letras o signos, carentes de una frase que nunca va a llegar.

Podríamos decir entonces que la fotografía, por su naturaleza abstracta, representa mas una adivinanza, un presagio, una hipótesis o una incógnita, que la expresión de alguna experiencia humana de lo posible. Su presunta realidad inconclusa y fragmentada, suerte de coitus interruptus de la mirada, podría ser tal vez la mayor responsable de generar nuestra fascinación, adicción y repudio por ellas.

*Quedan excluidos de este esquema, por adolecer de código óptico, las imágenes derivadas de la tradición de las sombras chinas generadas con ayuda de materiales fotosensibles y que lamentablemente en castellano también reciben el nombre de fotográmas.

El espacio de la fotografia

2005-07-22T16:35:00.000-04:00

Cabe preguntarse. ¿Que espacio ocupa la fotografía en nuestra experiencia? Y no me refiero al espacio físico que ocupan en nuestra intimidad, nuestros medios y nuestras instituciones. Sino a lo que nos ocurre cuando vemos una fotografía.

La fotografía ocupa un espacio a medio camino entre nuestra experiencia consciente y nuestra experiencia onírica.

¿Porqué digo esto?

Porque la fotografía no es mas que el gatillador de una experiencia virtual, una provocación al sueño. Es un artefacto que despierta del sopor las imágenes alojadas en nuestra memoria. La fotografía es un slogan que convoca por la fuerza nuestro patrimonio de imágenes mentales en constante ebullición y actualización, conjugando perennemente nuestros deseos, obsesiones y experiencias fallidas. Llenando el abismo entre lo posible y lo imaginado.

Las fotografías nos fuerzan fuera del recuadro.

Los medios simplemente institucionalizan esta experiencia, creando formatos que hacen de puente entre los "hechos" y la "fantasía". El info-tainment, los reality-shows, los programas de info-mmercial, la vida editada de las celebridades. Y pese a las obvias triquiñuelas, a la evidencia en la fabricación, nos dejamos llevar porque nosotros somos los primeros constructores de esa vida semi virtual tejida de muy pocos hechos y muchas ilusiones.

modelo para armar

2005-07-21T15:25:00.000-04:00

En una novela se puede comenzar por cualquier parte, por el comienzo de una historia, por una anécdota que no se sabe donde va, por el final aparentemente resuelto. Se puede avanzar en orden cronológico o en desorden para ir armando un puzzle. Se puede apelar a la razón, a los sentimientos, a la espiritualidad, a las pasiones, a la morbo, la lógica o el terror.

La fotografía conserva algo así como un misterio entre los fotógrafos. Hay tantas interpretaciones de ella y ha sido tantas veces mordida sin llegar al hueso —por semiólogos, sociólogos, filósofos, historiadores, críticos y retóricos— que podría servir como argumento para una película de misterio.

Para muchos es algo tan simple como apretar el botón y sacar una foto. Para otros es algo que se encuentra entreverado en los vericuetos de nuestros pliegues sensoriales, nuestro lenguaje, nuestras percepciones. Para unos es una suerte de espejo de la realidad, para otros un espejismo que no va mas allá de nuestras alucinaciones.

Quisiera que estos escritos y comentarios cobraran vida propia. Vayan sacando al monstruo fuera del agua. Pensé en un momento hacer algo organizado, paulatino y hasta pedagógico. Pero me doy cuenta que eso liquidaría mi propósito que es el de ir descubriendo la fotografía a través de si misma; a través de su propia lógica fragmentaria.

serie > 01: Christopher Street Day en Colonia

2005-07-03T19:11:00.000-04:00

todas las fotos © doifel videla, 2005

Este es un desfile anual que tiene lugar en Colonia, Alemania, el primer domingo de julio de cada año. Organizado por la comunidad gay y lesbiana local.

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comentario 01: architecture of density

2005-07-02T09:45:00.000-04:00

NO, NO ES MATRIX, ES HONG KONG
¿Alguna diferencia?

por doifel videla

Architecture of density /Michael Wolf

En estas fotos tenemos la descripción de un estado de cosas. La increíble densidad habitacional a la que están llegando algunas ciudades. La serie nos muestra una obligación de vida, porque en Hong Kong a menos de ser millonario no hay muchas alternativas a la densidad. En el último Time Magazine Europa, dedicado a China dice por ejemplo que en 20 años la ciudad de Shanghai pasó de 1 rascacielos a mas de 300 y que la ciudad de Shenzen creció, desde 1990 a la fecha, de 1,65 millones a 12 millones de habitantes. Un ritmo del 620 % anual.

El conjunto de la serie está compuesta de una mayoría de tomas frontales y cerradas de edificios de habitaciones, dándonos la impresión de enormes colmenares, que adivinamos repletas de habitantes. Lo que prima desde luego, son las estructuras, la masividad, el diseño y la presencia humana que se pierde en el gigantismo de las estructuras haciéndose microscópica. Suponemos pequeños insectos viviendo tras los puntitos asociados a las ventanas.

Esta es la historia literal de esta serie de fotografías, la concentración humana en Hong Kong expresada en la solución arquitectónica de alta densidad habitacional y el aparente monstruo resultante, presentado de manera estetizada, que nos hace pensar en Matrix.

Un segundo nivel de análisis nos lleva a las motivaciones del autor mas allá de la actualidad de su hábitat. Nos habla de una tradición, de una ideología, de una actitud ya consagrada no por él sino por 80 años de fotografía alemana que comienza a forjar su identidad antes de la Segunda Guerra Mundial a través de la obra de August Sanders (1876–1964) y Albert Renger-Patzsch (1897-1966). Ambos ligados al movimiento de la Nueva Objetividad (Neue Sachlichkeit), que se opone al expresionismo definiéndose como una suerte de "realismo objetivo", y por sus continuadores actuales, la pareja de profesores de la Academia de Düsseldorf Bernd e Hilla Becher y su prolifera camada: Candida Höffer, Andreas Gursky, Thomas Ruff, Thomas Struth y Axel Hütte entre otros.

Este "realismo objetivo" se basa en la acuciosa descripción del objeto, la ausencia de sombras, la sobriedad visual, la privación de cualquier expresión de emoción, la visión estática, el aislamiento del objeto en relación a su contexto, la ausencia de perspectivas que delaten la posición del fotógrafo, fidelidad a la forma y construcción de una estructura en base a elementos heterogéneos, no necesariamente conectados, que llevan al concepto de obras basadas en su pura apariencia formal.

En este sentido, el trabajo de Michael Wolf consiste, mas que en una aventura o un descubrimiento, en la aplicación de un "template" establecido por el establishment de la fotografía alemana, que no deja tener una base ideológica, que se expresa en toda la sociedad, ya desde antes, pero especialmente a partir de la Segunda Guerra Mundial. Estas imágenes llenas de admiración por una estructura donde el espacio humano se ve reducido a su pura función ordenadora, reguladora, como archivo o catálogo de un "stock de recursos humanos", como en Matrix, no son nuevas, ni casuales, ni un descubrimiento reciente. Son la expresión de una aspiración, de una manera de interpretar, ver y vivir.

Podríamos decir que estas imágenes, en especial, reflejan la "sociedad de la información" porque nos recuerdan los circuitos integrados, las comunicaciones digitales, el corazón de un computador. Y es posible que la intención sea esa. Sin embargo, la "sociedad de la información" escapa bastante al esquema de orden y claridad (Alles in Ordnung?, Alles Klar?) con que sueña el alemán medio en su lucha contra las pasiones que de tanto en tanto tienden a gobernarlo. La "sociedad de la información" en realidad se parece mucho mas un plato de spaguettis bolognese, a un menú chino para cinco, a una pizza familiar mixta, a la Torre de Babel o al cuento "El libro de arena" de J. L. Borges.

Curiosamente todo el resto del trabajo de Michael Wolf, que se encuentra en el sitio mencionado arriba, es completamente diferente a este. Desde luego no escapa al trabajo repetitivo que caracteriza la mentalidad alemana, pero siempre de una perspectiva mas cotidiana, variando las luces, los puntos de vista. Aceptando en breve que no somos el ojo de un robot y que cada día es un nuevo día para nosotros y para todos. Es la razón por la cual hablo del establishment de la fotografía alemana, porque veo que Michael Wolf, un fotógrafo dedicado toda su vida al reportaje, ha debido plegarse al "template" alemán para acceder a las galerías, a la visión ordenada y vacía con que la fotografía alemana contemporánea pretende prefigurar nuestro radiante futuro.

Es muy posible que Matrix exista y que en definitiva seamos las baterías de energía que necesita el sistema para funcionar; sin embargo no debemos olvidar en ningún momento que somos nosotros los inventores de Matrix.

* Este será el primer comentario, de una serie que voy a realizar y cuyo enlace me envió Roberto Arancibia .

¿Porque Fotomedia?

2005-06-27T09:18:00.000-04:00

¿Porque Fotomedia, cuando podríamos decir fotografía?

Déjenme explicarles la razón de este capricho.

Hay varias maneras de concebir las cosas, pero básicamente son dos:
Aisladas o como Sistemas.

Concebirlas como sistema no significa meterlas en un grupo y ponerles una etiqueta: Artes Visuales o Artes Gráficas, por ejemplo. Eso es un club, un sindicato, una agrupación, una colección de elementos similares, etc. Eso no es un sistema.

Un sistema es algo que esta definido por su capacidad de procesar. De tomar algo y de transformarlo en otra cosa. Un sistema recibe un "input, procesa y entrega un "resultado". Puede ser un sistema de transformación puntual o de mantención de una situación permanente, como el sistema carcelario. Un sistema es algo permeable, que interactúa con el exterior. Comunica, se relaciona, colabora y depende de otros sistemas. Un sistema tiene una identidad. Esta está definido por la sinergía resultante de la interacción de todos los componentes y procesos que tienen lugar dentro del sistema y que desarrollan una actividad orientada hacia una finalidad.

La fotografía es un sistema y dentro de esa categoría, es un medio.

Un medio es algo que se interpone entre nosotros y lo exterior. Es un representante, un intermediario, un canal, un mapa. Para comunicarnos necesitamos medios. El lenguaje, los gestos, los olores, los caminos, el transporte, la escritura, los libros, la prensa, el teléfono, la radio, la televisión, internet. Todos estos medios, como prolongación de nuestros organos, buscan ponernos en relación con algún tipo de realidad externa a nosotros. Las fotografías son imágenes que se interponen entre nosotros y la apariencia de las cosas. La fotografía utiliza la luz que reflejan los objetos para fabricar información.

Esta información, formateada por el medio que la produce, es lo que llamamos una fotografía. El sistema que produce fotografías es el fotomedia. Para distinguir entre el sistema y el resultado yo distingo entre fotomedia y fotografía.

Este blog esta dedicado al fotomedia. Es decir al sistema que genera fotografías.

Comienzos de un Blogroll

2005-06-25T17:12:00.000-04:00

Bueno, acabo de instalar, muy en la HTML, un montón de enlaces sacados de mis favoritos. No he podido ordenar todo como quisiera, pero al menos ya tengo una parte. Se aceptan sugerencias.

World Press Photo 2005

2005-06-25T12:46:00.000-04:00

El otro día, fui a hacer mi ronda semanal de revistas al kiosco de la Estación Central de trenes en Colonia, que está exactamente a 3 minutos de mi depa, y me encontré con la versión 2005 del World Press Photo.

Mis sentimientos son encontrados respecto a poner exposiciones en lugares como este. Aparentemente podría sonar democrático que se encuentren a la pasada de los transeúntes, si no fuera porque queda todo medio banalizado. El ir y venir de la gente, por el pasillo de los fast foods donde está la expo, hace que estas imágenes, de extrema violencia algunas, parezcan una oferta mas del menú Burger King o Tropical Juice. Este pasillo no es precisamente un lugar de recogimiento o reflexión para los temas que plantea una exhibición de alto riesgo como esta.

Pero, por otro lado pienso que esa es nuestra realidad. Los mensajes cotidianos nos llegan amontonados en una gran pizza informativa formato king size. ¿Por que que entonces no aceptarlo? Después de todo, aunque los fotógrafos hayan arriesgado a veces sus vidas por obtener estos registros, que en este contexto se transforman en "infotainment", no dejan de ser mas que papeles de colores.

Si tuviésemos que rendir pleitesía al producto simbólico de cada papel que llega a nuestras manos, deberíamos comenzar por el dinero, por el que millones han muerto y seguirán muriendo.

El otro día, en un arranque de mafaldismo extremo, pegué un papel al lado de mi computador que decía:
¡Cuidado con el fast- info, produce adicción!

La fotografia "lugar comun"

2005-06-22T15:27:00.000-04:00

He estado visitando decenas de Fotologs y Photoblogs y constato que:

1) los aficionados exponen intensivamente en Internet
2) repiten las mismas imágenes que hemos visto millones de veces.

Agregaría que hasta la saciedad; hasta la náusea.

Los medios nos permiten expresarnos, comunicarnos y archivarnos.
La fotografía también.

Si los medios no representan nuestro quehacer, no tienen nada que hacer.
¿Y la fotografía? ¿Que nos esta aportando hoy día?

La fotografía anda renga. Por un lado los medias "tradicionales" se coluden para utilizar imágenes que retrataban la sociedad hace 50 años. Por otro lado los aficionados, en su entusiasmo e ignorancia, descubren las imágenes de hace 50 o mas años y las publican en Internet.

Cuando busco imágenes, quisiera encontrar aquellas que retratan la sociedad actual, su velocidad, fragmentación y complejidad. Solo encuentro una imagen cargada de nostalgia, la idea de una sociedad que nunca llegó a ser.
Un mundo perfecto, claro, ordenado, limpio y azulado. O un mundo sentimental que se declina en claroscuros.

La fotografía se ha transformado en un lugar común.
O tal vez la suma de todas la imágenes que hoy pueblan Internet, sea la imagen que ando buscando.